Querido Jorge Martí, sí, ahora, después de tantos años, os dan premios. Bien merecidos. Recuerdo vuestros primeros tiempos, cuando aparecíais en pleno escenario grande del FIB compartiendo tablas con la galaxia del momento. Recuerdo como algunos decían que aquello era porque erais la “cuota local”, los chicos de la provincia vecina. Para algunos, dentro del panorama musical nacional, hacíais unas canciones un poco blandas, aunque nadie discutía que vuestra base musical era de nivel. Era la época en que no hacía falta regocijarse por encontrar en el urinario a alguien que hablase tu idioma, y en que el festival podía atreverse a meter estrellas emergentes de las nuestras en letras grandes. No se me olvida como vibraba la gente, tanto en el 98 como en 2001, aunque otros cuantos siguiesen pensando que aún seguíais siendo una banda “para chicas”.

Sin embargo sorprenderse de que los premios lleguen ahora no es del todo justo. Siempre tuvisteis, en general, buenas acogidas, tanto en prensa como en público, y creasteis sin demasiados problemas una buena legión de fieles seguidores. Otros, en cambio, íbamos y veníamos, éramos esos que nunca podían dejar de prestar atención a lo que hacíais, pero que no terminábamos de engancharnos nunca. Ahora es nuestro momento, porque al menos para mí, ese tiempo que ha pasado ha hecho con vosotros lo que hace con el buen vino. Echando la vista atrás puedo mirar a La Habitación Roja como un ejemplo de tesón y buen hacer que, lejos de dar bandazos, se ha mantenido firme en sus principios pero enriqueciéndose a cada paso. Vuestros discos desde Nuevos Tiempos (2005) no han hecho más que hacer que crezcáis como banda, ampliando la riqueza de vuestra música, canalizando vuestras influencias hacia un producto muy personal e identificable que eclosiona en Fue Eléctrico (2012), uno de los grandes discos del año pasado y mi favorito de vuestro repertorio. Ya ves, después de tanto tiempo.

Por eso, querido Jorge Martí, La Habitación Roja dispone ahora de un repertorio tan rico y tan amplio que os permite dar conciertos tan estupendos como el de anoche en La Riviera. Por eso ahora un concierto vuestro tiene el plus que antes le faltaba, aún reconociendo que siempre tuvisteis una maravillosa mano para entrar en comunión con vuestros fans y crear esas atmósferas especiales que estando abajo te contagian, y que supongo estando arriba te embriagan. Pero ahora es cuando todo el cuadro ha mejorado infinitamente. Vuestro final de fiesta de esa extensísima gira de Fue Eléctrico tocó a su fin en una noche tan emotiva. Lo sabéis, se os veía tan felices…

Ahora es cuando podéis sacaros de la manga un recital que arranque de forma tan contundente como es encadenar sin pausa El Resplador y Siberia, rompiendo el hielo a lo bestia y a lo grande, como hacen los buenos. Ahora es cuando vuestros viejos grandes éxitos encajan por los medios y en los finales de forma tan estupenda, como hicisteis con Un Día Perfecto o Crónico, por ejemplo. Ahora es cuando todo queda en su sitio, y tanto vuestro lado más acústico, como el más eléctrico, o las áreas de indie-pop más noventero, desnudo y crudo, maridan a la perfección con vuestro lado más ambicioso, poderoso, complejo y épico, con esos himnos que sabéis que ahora tenéis y que utilizáis del modo en que anoche utilizasteis Cielo Protector y Ayer. Pero también tenéis muy claro que hay joyas como Norge que deben entrar en la ecuación, y lo hacen sin desentonar entre tanto calor e intensidad. Una pieza fría como esa, que suena a The Cure, a Décima Víctima, a Golpes Bajos y a New Order, pero a la vez sonando a vosotros mismos, es el mejor ejemplo de lo bien que habéis reconvertido lo que bebéis como aficionados en lo que hacéis como músicos. Hay que ser muy buenos para hacer Norge.

Y aunque no sea algo nuevo, porque siempre pasó así, ahora, después de tantos años, es cuando mejor se aprecia, se siente y se comparte la entrega que os ofrece el público, y así es como anoche se mezclaban un par de generaciones que poco a poco iban elevando su tono de emoción ante lo que ibais tocando, y cantaban con vosotros, y bailaban frente a vosotros, y os coreaban, y convertían Indestructibles en uno de los momentos mágicos de la noche, de esos que yo pagaría por vivir donde estabas tú, ahí arriba, pegado al micrófono y con una sonrisa de oreja a oreja.

Querido Jorge Martí, anoche La Habitación Roja puso punto final a la gira del disco que os convierte en una banda maravillosa, que pone la pieza que faltaba para haceros grandes, la que completa casi veinte años de evolución en los que habéis sido capaces de mantener vuestra sensibilidad lírica sin ser cursis, de dar una lección sobre como utilizar la palabra sencilla, sin rocámboles y parafernalias vagas, para expresar tanta emoción sin ñoñería, en los que habéis rendido homenaje a los grandes de vuestra generación y que sacaron el indie de este país adelante, en los que os habéis ido puliendo despacito, muy poco a poco, hasta dejar bien brillante la joya que en 1998 muchos creían que podíais ser pero no terminaban de aceptarlo. Sí, ahora es el momento, aunque fallaseis prediciendo lo del Mundial, se os perdona. Gracias por lo de anoche, querido Jorge Martí.

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Setlist: El Resplandor, Siberia, Annapurna, Nunca Ganaremos El Mundial, Un Día Perfecto, Febrero, Posidonia, Cuando Te Hablen De Mí, Cajas Tristes, La Segunda Oportunidad, Scandinavia, Van A Por Nosotros, Indestructibles, La Edad De Oro, El Eje Del Mal, Hoy.

Bises: Norge, El Cielo Protector, Crónico, 23.0, La Razón Universal, Nuevos Tiempos, Mi Habitación, Ayer.

Esta noche estará en el Sónar de Barcelona y ayer el islandés Ólafur Arnalds pasó por Madrid para presentar For Now I Am Winter. La belleza de dicho paso fue tan obvia como indiscutible: es normal, sabíamos más o menos a lo que veníamos y Olafur Arnalds cumplió sin pega con dosis de delicadeza, sensibilidad y ternura anoche  en el Teatro Reina Victoria de Madrid. Y aunque hubo muchos y muy agradables aciertos, la actuación no estuvo exenta de algunos inconvenientes. El primero de ellos, completamente ajeno a Ólafur, fue el horario del evento.

Ya sabemos que para algunos teatros madrileños (con el Lara a la cabeza) han encontrado un jugoso filón en la posibilidad de doblar sesión y, tras la representación habitual, programar un concierto. Es una idea genial porque las salas que lo están haciendo están bien sonorizadas, las butacas son cómodas y tienen una visibilidad bastante buena; pero el hacerlo al finalizar la correspondiente sesión teatral estos conciertos rara vez empiezan antes de las once de la noche, si no más tarde, como fue ayer el caso. Quien programe conciertos en este tipo de salas debe saber que una actuación que se desarrolla en horas en las que parte de la audiencia normalmente está durmiendo es susceptible de no ser correctamente apreciada. Es decir, que el concierto de anoche empezó pasadas las 23:30 y finalizó al filo de la una de la madrugada y que eso para quien trabaja y para ello madruga, es un inconveniente.

La otra pega que le encuentro al concierto de anoche es la austeridad de medios con la que se ejecutó. For Now I Am Winter, como ya hemos comentado en este blog, constituye un paso adelante en la evolución de las composiciones de Ólafur Arnalds pues en él incorpora, no por primera vez, pero ya sin miedo ni tapujos, una importante capa de percusión, bases rítmicas y electrónicas y, en algunos temas, voces que contrastan con la austeridad de las composiciones para piano y cuerda que poblaban sus anteriores trabajos. Cabría esperar, pues, que al ser este concierto parte de la gira de presentación de dicho álbum, los medios para ejecutar los temas mencionados (que son, además, los más destacables y emocionantes del disco) fueran a estar en concordancia con la factura de dichas canciones. Pero no, Ólafur se presentó en el escenario junto con una violinista, una violonchelista, un iPad (llamado Mr. Jobs)  y un ordenador portátil, estos dos últimos controlados por él mismo desde el taburete de su piano durante los silencios. No había ni percusión, ni nadie encargado de ir dosificando los bucles electrónicos en diálogo con los instrumentistas y, ni mucho menos, cantante; de modo que aquello que hace especial y diferente a las nuevas canciones estaba grabado, encerrado en un ordenador portátil y se iba reproduciendo a la orden de Arnalds, sin aportar nada a lo que ya estaba grabado en For Now I Am Winter.

Aunque a pesar de esto el concierto fue bello y emocionante, la reducida dotación de la orquesta de cámara que se subió al escenario le restó un poquito de espontaneidad a la música que se interpretó. Puede que haya quien me pregunte qué diferencia hay entre reproducir una base grabada desde el ordenador y que haya una persona enlazando loops en directo, si en el fondo todo son grabaciones y lo importante es lo que hagan los músicos. Y no lo niego, es verdad, pero dentro de la electrónica también hay un margen, no ya para la improvisación, sino para escuchar a los compañeros de banda y adecuar la entrada de los bucles a lo que vaya sucediendo en el escenario, cosa que es radicalmente imposible si se llevan las pistas sencillamente grabadas.

Pero ya está bien de versar los problemillas de la actuación porque, como he dicho al principio, a pesar de todo esto la sensación general del concierto fue de belleza y de saber hacer. Ólafur es un joven tímido pero muy entrañable, que supo meterse al público en el bolsillo a base de sencillas interpelaciones y explicaciones verdaderamente enriquecedoras sobre las circunstancias en las que se compusieron algunos de los temas que interpretaron. Al subir al escenario rompió el hielo pidiendo a la audiencia que cantara un par de notas, un do y un mi, para grabarlas con su iPad y componer así una tercera mayor que adornara la primera canción que interpretó, Þú ert sólin. No sé si por la cálida sensación de confianza que supo generar Arnalds desde el primer momento o, porque sencillamente, la ocasión lo requería, el público fue extraordinariamente respetuoso, arropando con tensos y expectantes silencios las melodías de piano que el islandés iba tejiendo lentamente.

El juego de silencios y emociones fue delicado y perfecto, no hay otra forma de expresarlo, fue sencillamente un concierto bellísimo en el que solamente hacía falta cerrar los ojos, hundirse en la butaca y dejarse llevar por el sereno río de emociones que el islandés iba dibujando. “Hay muchas formas de tristeza y no todas tienen que ver con el amor”, decía antes de interpretar Poland uno de los temas más bellos del repertorio de anoche, en una explicación tan tierna como sincera y comprensible del origen de dicha canción. Para cerrar la actuación de manera magistral, Ljósið, uno de sus temas más conocidos y cuya explicación sobre las circunstancias en las que fue compuesto dio pie a unas cuantas risas entre la audiencia; y Lag fyrir Ömmu, canción que Ólafur compuso para su abuela, según él, su mayor fan y la responsable de sus conocimientos de música clásica, cuando esta falleció. Esta última la interpretó ya él solo en el escenario, ante el piano, con unas dosis de emoción y delicadeza que ponían los pelos de punta hasta que, a lo lejos, desde detrás del escenario, se oyeron las notas lejanas de las cuerdas, que cerraban la actuación hasta otra ocasión en que  el manto de nieve islandesa vuelva a cubrir un teatro madrileño en una de las primeras noches de auténtico calor de nuestra ciudad.

La temporada festivalera coge ritmo y la siguiente fecha marcada en nuestro calendario es el primer fin de semana de verano. En este caso el evento se producirá en nuestra propia ciudad, y se trata de una de esas citas que son necesarias en una urbe de la envergadura de Madrid. A pesar de las penurias económicas el Día de la Música se mantiene en el panorama veraniego de nuestro país y, de nuevo, será el Matadero el que acoja las dos jornadas de rock e indie alternativo que son, desgraciadamente, una isla en el desierto panorama festivalero madrileño. Por ello, hay que aferrarse a ellas sea como sea, aunque ello suponga escuchar a un buen puñado de grupos de los que no habíamos oído hablar en la vida.

Nada importa, o al menos no demasiado, con tal de asistir a una de las pocas citas festivaleras que se producen en la capital de España: el ecléctico cartel del festival madrileño es una oportunidad para descubrir todo tipo de rarezas bailables, toparse con el último alarido en electrónica del que todo el mundo habla o para reencontrarse con viejos conocidos. Ahora que el cartel ya está cerrado, los horarios establecidos y los precios reajustados (muy loable la iniciativa del festival de reducir sustancialmente el precio de los abonos y las entradas ante la cancelación de la intervención de Spiritualized y devolver la diferencia a quienes ya los habían adquirido, teniendo en cuenta el complicado momento económico por el que todos estamos pasando), tras varias escuchas al cartel del Día de la Música 2013, os ofrecemos el pequeño ramillete de conciertos que no nos perderíamos por nada el mundo si anduviéramos por Matadero los días 21 y 22 de junio.

• Nombre: Día de la Música
  
• Web Oficial: www.diadelamusica.com
• Fechas: 21 y 22 de junio de 2013
• Ubicación: Madrid, Matadero
• Precio: AVISO: Precios reajustados tras la cancelación de la intervención de Spiritualized. Los precios definitivos son 30€ el abono de dos días, 18€ las entradas de día. Entradas aquí.
• Camping: No
• Lista de Spotify
• Artistas confirmados: (horarios y distribución por días aquí) Annie B Sweet, Autre Ne Veut, Cápsula, Deptford Goth, Hola A Todo El Mundo, Lori Meyers, Los Punsetes, Pional (Live), The Horrors, You Don’t Know Me, Begun, Darkstar, Disclosure, Egon Soda, Extraperlo, Lianne La Havas, Nothing Places, Raphael Gualazzi, The Fall, These New Puritans, Waxahatchee.
• Crónicas de años anteriores: Día de la Música 2011, sábado y domingo.

Autre Ne Veut (Viernes 21, Escenario Acciona rtve.es a partir de las 22.15)

Empezamos con un artista que me era completamente desconocido hasta que empecé a escuchar el cartel de este festival. Los ritmos etéreos de este estadounidense, a medio camino entre la electrónica bailable y las atmósferas de chill-out marcan unas ascensiones que me emocionan e hipnotizan ligeramente. Tal vez sea una elección muy personal, pero me ha picado mucho la curiosidad por este personaje a cuyo LP Anxiety (2013) Pitchfork le concedió nada menos que un 8.5 el pasado mes de febrero. Creo que el principal logro de este músico es construir temas complejos, hilar discos verdaderamente serios pero, especialmente en su último trabajo, mantener siempre una accesibilidad para el gran público ante la que me quito el sombrero. Si en directo sorprende tanto como en su versión de estudio, es una actuación para no perderse.

HATEM (Viernes 21, Escenario Radio3 RNE a partir de las 23:00)

Hola A Todo El Mundo pasan por ser uno de los grupos más atrevidos del momento en España. Hay que serlo cuando en tiempos de inmovilismo y poco riesgo pegas un giro de 180º y cambias el pop folk por la electrónica fría, y más aún cuando esto ocurre entre tu primer y segundo disco. Y si encima te sale un trabajo como Utraviolet Catastrophe (2012) ya te has ganado la atención del personal, al menos del que suscribe. No hay duda, su propuesta me resulta de las más interesantes del panorama nacional actual. Habrá que ver que tal maridan en directo las canciones anteriores con las nuevas (no he tenido oportunidad de comprobarlo).

Cápsula (Viernes 21, Escenario Nivea Soft a partir de las 23:45)

Aunque no se prodigan demasiado por nuestra ciudad, los vimos, como quien dice, con la baba colgando, en la pasada edición del DCode. La propuesta de estos argentinos residentes en Euskadi es tan ruidosa como arriesgada: comprendo que no a todo el mundo le va a atraer el vertiginoso noise-rock que practican, pero para todo el que no tenga miedo a las guitarras poderosas, al hechizo de la distorsión y, sobre todo, a cierta locura controlada sobre el escenario, tiene una cita imprescindible con los Cápsula. Además, podremos acercarnos a su particular visión del Ziggy Stardust que, si bien ha tenido una dilatada gira de presentación, no ha llegado a pisar Madrid.

The Horrors (Viernes 21, Escenario Radio3 RNE a partir de las 1:15)

Son el gran reclamo del viernes. Una banda peculiar que ha venido navegando desde un garage rock ribeteado de glam, psycho e incluso oscuro deathrock, hasta el pop rock de clara influencia ochentera que practicaron en Skying (2011), en el que se abrían hueco los sintetizadores, las atmósferas y los ecos de variopintas leyendas de la época como Chameleons, Simple Minds o Psychedelic Furs. Que el disco que supuso su giro evolutivo más patente, Primary Colors (2009), se llevase el honor de ser el mejor del año para NME, es suficiente carta de presentación. En el horizonte, el disco que se anuncia para septiembre y el misterio que muchos tienen encima por saber si tocarán algo nuevo, y a qué sonará.

Waxahatchee (Sábado 22, Escenario Nivea Soft a partir de las 23:00)

Tras este pintoresco nombre se encuentra la cantautora newyorkina Katie Crutchfield, otro de los descubrimientos a raíz de la inspección del cartel del festival. El principal nombre que se me viene a la cabeza al escuchar su Cerulean Salt es Sinead O’Connor con una pinceladita de The Cranberries (cuando no daban vergüenza ajena, se entiende), pero sin perder de vista el género de cantautoras estadounidenses, aunque revisándolo no desde el folk, sino desde el rock, o al menos eso es lo que parece desprenderse de su versión de estudio. Y se agradece, la verdad, la soledad de una voz femenina acompañada por rasgueos eléctricos que a medida que van avanzando los minutos se hacen más y más duros, clavándose ligeramente y llamando más la atención. No es una rockera pura como pudiera ser Anna Calvi pero si que es una vuelta de tuerca llamativa sobre las solistas femeninas.

Obviamente son muchos más los grupos que acudirán al Día de la Música: Disclosure presentarán su aclamadísimo Settle y The Fall pondrán el punto nostálgico a la velada. Además, un grupo en el que nos hemos fijado últimamente, los Leftover Lights, se encuentran en las primeras posiciones (puedes votarles aquí) en el concurso de maquetas, de modo que, de ganarlo, se convertirían en otra cita relevante para nosotros. Pero en aras de la brevedad hemos preferido quedarnos con estos cinco, que son los que verdaderamente marcarían la diferencia para nosotros a la hora de asistir al festival. Tras esto, ya solo queda esperar a que llegue el día 21 para desearos a todos un feliz Día de la Música.

Esta cosa que hoy llamamos de modo general -y muchas veces erróneamente- música indie ligada al resurgir del britpop en los noventa, tuvo en España su momento de gloria para Asturias. Eran tiempos de pioneros como Australian Blonde y compañía. Hace tanto que ya casi ni nos acordamos. De forma más local, Gijón ha sido siempre el gran hervidero de la zona, y aunque la actividad nunca ha cesado, últimamente no teníamos apariciones importantes desde allí. Hoy nos congratulamos de la venida de los Yellow Bricks, que hace poco han lanzado su primer disco, Say No Now Kids, (se puede escuchar en Spotify) y que anoche presentaron en directo en Madrid en El Intruso.

Liderados por el gijonés Rodrigo Fáez -también locutor deportivo en el programa Rock and Gol-, los Yellow Bricks practican un pop-rock de una esencia claramente británica que deja bien a las claras cuáles son las influencias de este cuarteto. Say Now No Kids nos remite a los tiempos en los que Oasis partían el bacalao de forma muy evidente y a su alrededor surgían bandas que recogían el testigo de aquel estilo de base claramente beatleliana. El disco es un concentrado de once temas por lo general veloces, amables, de estribillos cómodos y ritmos fácilmente asumibles, aunque ojo, no siempre con ausencia de mensaje ni dosis de crítica y mala leche. En definitiva un trabajo pop en el sentido más estricto de la acepción, que puede presumir de tener un número potencial de singles bastante por encima de la media, de esos que podrían sonar bien en cualquier radio (…bueno, no en todas).

Anoche tuvimos nuestra prueba de fuego. Veníamos de tragarnos otro conciertazo de una de esas bandas emergentes que de estar ahora mismo en los noventa estarían hasta en la sopa, los Rubick, y ellos son el perfecto ejemplo de esa atípica banda que cuando te gustan más en directo que en estudio hacen saltar las alarmas porque significa que ahí hay algo muy bueno. Mal recuerdo inmediato para un humilde redactor, que también tiene sus trampas subconscientes. Así que por mucho que un ilustre periodista deportivo como Antonio Ruiz hiciese las presentaciones,teníamos nuestras reservas. Y sin embargo el resultado fue satisfactorio. Los Yellow Bricks demostraron que, dentro de su incipiente emerger, saben lo que se hacen.

Del estudio habíamos deducido que tenían bien aprendida la lección del estilo que manejan, de sus entrevistas y comentarios teníamos claro que la dosis de arrogancia necesaria estaba presente, cosa que se confirmó desde muy pronto, y lo demás estaba por ver. Yellow Bricks tienen calidad y trabajo a sus espaldas, el inicio del concierto, barrido por The Hills, I Got You, Are You Gonna Stop Me Now, y Pretty Excuses, descubrió que tienen además un guitarra solista más que solvente, Carlos, que concentrado en sus bien equipados pedales y su instrumento, aparentemente ajeno a todo lo demás, era el soporte esencial a toda la base rítmica que emergía de la batería, el bajo y la guitarra de Rodrigo.

Como en un guión ya practicado, la parte intermedia tuvo su momento para reducir velocidades y dar protagonismo a la cuerda acústica. The Box, dedicada a la “generación más preparada de nuestra historia”, vino precedida de un sentido homenaje a ese pedazo de carne con cerebro, bigote y corazón enorme llamado Manolo Preciado. Estaba claro, fútbol y Gijón eran dos vértices de un triángulo que por fuerza tenía que concluir ahí, y si no me equivoco fue un título tan adecuado como The World Doesn’t Fit To Me la que vistió las galas para la ocasión. No sabría decir si a partir de ahí fue el cansancio o los rigores del directo y lo novedoso, pero se notó un cierto bajón en la intensidad de la banda. No fue problema de los temas, ya conocíamos su potencial, pero se apreció un exceso de similitud con el trabajo de estudio y una cierta falta de atrevimiento a la hora de imponer una marcheta más potente y acorde al directo. A Chance Like This, por ejemplo, dentro de su delicadeza, lo merecía. Y no fue la única, Look Ahead también adoleció de la potencia que merece.

Sea como fuere se reservaron algunos de sus mejores temas para el final, incluyendo una canción que no está en el disco, Only The Braves, y que me perdonen si me  equivoco pero este me pareció muy sugerente a la par que desaprovechado cuando, tras su inicio acústico, y al que tras un largo rato se iban sumando batería, bajo y guitarra, esta última amagó con acabar, sin hacerlo, con una eclosión de rock psicodélico. Una lástima porque se veía venir en la progresión del tema. Let The People Feel The Rain, la canción que abre Say No Now Kids, puso el punto final a una actuación satisfactoria y con los peros normales de tan temprana ocasión para el grupo, aunque sin poder evitar reconocer que hay un ojo y una oreja que prestar a esta gente. Lástima que la voz no sea de mi pleno gusto -lo cual no quiere decir que cante mal-, pero que si tengo que agarrarme a algo, además de todo lo que ya he dicho, es que si el refresco que necesitamos viene por esta vía de renacimiento del britpop más reciente, que lo haga, pero que refresque, como prometen Yellow Bricks. Estaremos atentos.

Como siempre, os dejamos con algunas imágenes que capturamos durante el concierto, que también podéis repasar en nuestro Flickr.

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Se trataba de un evento algo especial: la de ayer por la tarde era la segunda fecha que Miss Caffeina tenían en la Joy Eslava de Madrid para presentar su segundo LP, De Polvo y Flores. Pero no era un concierto completamente normal porque se trataba de un evento en el que expresamente podían entrar menores de 18 años puesto que no se vendía alcohol. Una iniciativa no solo loable, sino que completamente lógica: es bastante injusto que los adolescentes se queden sin poder ver a sus nuevos ídolos del pop nacional, de modo que, con esta solución, todos contentos. El caso es que este factor, el de la clara juventud de gran parte de la audiencia, debería haber servido para lo contrario de lo que sirvió: ser una masa alocada, histérica y hasta divertida de gente que pusiera la Joy Eslava de Madrid patas arriba.

Yo a Miss Caffeina ya vi en directo hace algo menos de dos años en un Sonorama. Recuerdo haber escuchado por encima su primer LP y haber pensado que esos chicos tenían bastante gracia y que podían dar un concierto la mar de animado. En aquel momento me pareció que tenían un directo bastante soso que no hacía justicia a la potencia que exhibían muchos de sus temas en estudio. Lo achaqué a la juventud y a que pensé que por aquél entonces estaban todavía un poco verdes. Hace unos meses publicaron su segundo LP y lo escuché con sorpresa, descubriendo que un pop desenfadado y juvenil bien armado, muy potente y con un enorme potencial para el directo. De manera que, si bien no me esperaba el concierto de mi vida ayer por la tarde, sí que esperaba un buen subidón de adrenalina. Bueno. Pues no.

En primer lugar hay que decir que el público estaba muy apagado. Me resisto a creer que tuviera que ver con que no se sirviera cerveza en el local, pero la verdad es que durante los primeros compases del concierto yo estuve en las primeras filas de la pista y, la verdad, es que me lo había esperado muchísimo más agitado. Y para continuar, pues se juntaron el hambre con las ganas de comer: además del público casi silencioso y tirando a inmóvil, Miss Caffeina saltaron al escenario más o menos con la misma actitud que el público, y se mantuvieron así, con algunos picos puntuales, hasta los bises. Lamentablemente tengo que decir que la impresión que me quedó de ellos hace dos años era completamente cierta: la cara que mostraron ayer, al menos, era la de una banda de cinco personas que tocan sin hacerse demasiado caso las unas a las otras, como si fueran cinco monigotes puestos encima del escenario haciendo cada uno un poco lo que le viene en gana. Incapaces de generar cualquier tipo de atmósfera entre ellos, era imposible esperar que llegaran a desarrollar una conexión eficaz con el público.

Si a este problema, que mucho me temo que es inherente a la banda y que ya estaba presente la primera vez que los vi; le sumamos el hecho de la desgana manifiesta con la que Alberto se subió al escenario para cantar los temas, tenemos un cóctel letal de tedio. Y es que no lo digo yo: revisen las fotos del concierto en nuestro Flickr o, sin ir más lejos, la que acompaña a este párrafo. En todas ellas se aprecia una desgana y un desinterés por la actuación por parte del líder de la banda. Y claro, así no hay manera. No sé si por culpa de los sets de luces que había por el suelo del escenario (bastante inútiles, por cierto), pero lo cierto es que sobre las tablas no se movía nadie más de 10 centímetros. El concierto nos lo estaba cantando una estatua de sal con un cacho de la cara pintado de negro en un alarde de divismo un poco desquiciante (¿se cree este chico acaso que se parece en algo a Michael Stipe?).

Y claro, con esta actitud había muy poquito que rascar: poco importa que Mecánica Espiral o Gigantes sean temas tan divertidos como poderosos. Si se interpretan con tedio, como si se tuviera horchata en las venas, no funcionan absolutamente nada. A la quinta canción Alberto se quejaba de lo silencioso que estaba el público: normal, hijo, si pasas de todas y cada una de las personas que están en la sala, si no conectas con ellas, si no las arengas, si no te mueves, si no transmites ni media mierda, pues la gente ni va a saltar ni a cantar ni a bailar. Más de media hora les costó hacer que la gente empezara a corear algunos de los temas. En algunos momentos Sergio, el guitarra, sí que trataba de hacer gestos que animaran o al menos moviera un poco al público.

La cosa solamente se animó un poco cuando Zahara subió al escenario a interpretar Luciérnaga, tema compuesto por ella pero que aparece en De Polvo Y Flores; aunque no porque ella sea especialmente graciosa sino por el mero hecho de introducir una novedad en un escenario vacío por completo de ganas y energía. A ello le siguió la colaboración del habitual de grupos de corte adolescente, Ruben Pozo, que no tuvo problema en no dar ni una sola nota en su sitio en los cuatro versos que le tocó cantar de Venimos. En serio, si hubieran planeado hacerlo mal, no les habría salido una intervención tan cutre. Aunque bueno, de no cantar especialmente bien ya nos había dado algunas lecciones Alberto en los 50 minutos anteriores…

Finalmente lo único salvable del concierto fueron los 4 temas que conformaron los bises (por cierto, quedarse afinando una guitarra cuando dices que te vas ya es como que el colmo de la chorrada), en los que destacaría especialmente la sorprendente intensidad de En Modo Avión que por fin hizo sonar al grupo un poco como yo me había esperado verlos: eléctricos, limpios, emocionados y entregados. Con Hielo T y Disfraces, que son dos canciones de extraordinaria pegada, también supieron armar cierta ilusión de que les importaba algo lo que estaban haciendo. Fue ahí cuando el público pudo ponerse a saltar con ganas aunque, por otro lado, habría que ser muy cafre para no hacerlo bien con estos temas que acabo de mencionar porque, como he dicho, son bastante buenos. En resumen, leo que el concierto del sábado por la noche fue bastante bueno. No sé cómo de cierto es eso, pero el de ayer no lo fue. No tengo más que decir. Como siempre, cerramos el post con una galería de las fotos que sacamos anoche en la Joy, que también podéis disfrutar en nuestro Flickr.

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En una noche en la que parece que lo único que pasaba en este mundo era el festival de Eurovision, unas pocas decenas de personas nos reunimos en el Fotomatón de Madrid para presenciar una actuación íntima y sencilla, pero no por ello poco relevante o menos conmovedora. Los protagonistas eran Casa Celia, el nuevo y delicioso proyecto del batería de Manos de Topo; y el belga afincado en Barcelona Lieven Scheerlinck, que se hace llamar A Singer Of Songs. Ambas intervenciones fueron de enorme calidad, de modo que daba todavía más pena ver la sala medio vacía.

Para empezar, Casa Celia, que estuvieron sobre el el escenario una media hora y presentaron con teclado y guitarra un catálogo de canciones dulces, muy íntimas y enternecedoras. Todo lo contrario, la verdad, al trabajo que desarrolla el 50% del grupo, Rafa de los Arcos, a las baquetas de Manos de Topo. Según Rafa, el de anoche fue el tercer concierto de la carrera del grupo. Probablemente por lo poco que me atrae el popular y psicodélico grupo barcelonés quedé gratamente sorprendida por la tierna sinceridad de las letras que Casa Celia interpretó anoche. Además, lo reducido de la audiencia facilitó que los integrantes del grupo se soltaran un poco y acabó siendo una actuación la mar de divertida, con explicaciones realmente curiosas sobre los temas que trata cada canción y risas cómplices entre la audiencia.

Para cuando A Singer Of Songs se subió al escenario la sala ya estaba un poquito más llena. Eran las 11 de la noche, supongo que el país se encontraba en un éxtasis eurovisionario, y Lieven desplegó la cálida manta de sus canciones sobre los que nos encontrábamos en el Fotomatón. A pesar de que los discos de Lieven son todos muy íntimos, con atmósferas delicadas y pasajes de introspección reflexivas, el set que ofreció a noche fue de todo menos aburrido o triste. Lo cierto es que Lieven se define como un chico muy tímido, pero no le costó hacernos reír a todos desde el primer instante del concierto con sus acertadas intervenciones.

Sobre la música, pues lo que cabe esperar de un cantautor bien formado y con tablas ya sobre el escenario: aunque se presentaba su último trabajo de estudio, There Is A Home For You, el setlist contuvo desde temas de su primer disco hasta alguna canción que, según Lieven, había sido compuesta hacía una semana. Muchos temas, eso sí, vitales y optimistas, llevando esta filosofía hasta los extremos de versionar La Vida Es Un Carnaval de Celia Cruz con extraordinario acierto, mezclando a la perfección el colorista tema con la vocación de cantautor de espacios íntimos que había estado desplegando hasta entonces.

Fueron finalmente 60 minutos de complicidad con el público, bromas, colaboraciones con Ana de Coffe & Wine, que subió a cantar un par de veces; pero sobre todo de canciones muy bellas, de paisajes cálidos y relajantes y de una extraña sensación de paz y bienestar surgida claramente de la guitarra y la voz de Lieven; con algún giro inesperado pero en absoluto estridente ni fuera de lugar como una canción interpretada por completo con un megáfono que, hay que decir, sonó genial, sin acoplarse ni estropear el momento. Un artista sin duda a destacar en este país en el que lo que están de moda son los golpes de emociones efectistas pero vacías a lo Love Of Lesbian o de las percusiones rimbombantes para cubrir letras sinsentido de Vetusta Morla. Un cambio de registro más que necesario para unos oídos que están cansados de escuchar siempre lo mismo. Esperamos volver a verle pronto por nuestra ciudad. Puedes pasarte por nuestro Flickr para ver algunas imágenes de la noche.

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Hace ya algo más de dos años de que yo viera a The Bright por primera vez, interpretando las deliciosas canciones de su primer disco en el escenario de la sesión matinal de una edición de La Radio Encendida. Subieron al escenario en medio de una especie de ataque de pánico, se les notaban los nervios y la incredulidad ante todo lo que les estaban sucediendo. Desde entonces los he visto varias veces (porque me gustan mucho) y cada una han crecido con respecto a la anterior. Y la verdad es que es un gusto ver a una banda evolucionar, cumplir las expectativas que habías depositado en ellos y, pronto, superarlas ampliamente, como hicieron anoche en El Sol de Madrid.

Teloneados brevemente por PLV HAVOC, cantautor altamente despeinado que amenizó con sus tortuosos versos, completamente en la onda del Nacho Vegas más eléctrico. Deprimente, austero y con unas interpelaciones un poco extrañas, al menos su intervención sirvió para que la sala se fuera llenando durante 20 minutos. Muy rápidamente se subieron los leoneses al escenario, sin que El Sol estuviera completamente lleno, pero con un nutrido número de gruppies en las primeras filas (van aumentando de un concierto a otro). En ese momento el mundo pareció cambiar, el suelo de la sala pareció llenarse de arena y sonó Estados.

O mucho cambian las cosas o Estados tiene casi todas las papeletas para ser uno de los discos nacionales del año, eso ya ha quedado patente en las últimas semanas. Pero es que aún esperándome un concierto notable, estos 5 me rompieron todos los esquemas. Los temas de Estados sonaron, todos sin excepción, brillantes. Fui al concierto con alguien que nunca había oído los discos de The Bright y al tercer tema ya me estaba diciendo que menudo conciertazo. Y es que no era para menos: sin necesidad de aspavientos, sin que diera la impresión de que se estaban dejando la vida en el escenario, los temas fluían potentes, con la voz de Miryam sólida y segura pero, a la vez, muy dulce; y los frenéticos guitarrazos de Aníbal convirtiendo el folk en rock y transmitiendo una sensación de calidez impresionante.

En el arranque, con Ela, Donde Todo Es Luz y el Jolene de Dolly Parton que tantas alegrías les está dando puso de manifiesto que había amplios sectores del público que se sabían todos los temas. Al resto rápidamente se los habían metido en el bolsillo. Tal vez un poco sorprendente, eso sí, el reducido número de temas de su primer disco que interpretaron del que, no estando tan alejado en el tiempo (hace ahora dos años que se publicó), se quedaron en el tintero temas tan bellos y coreados pos el público como Odd Towns. Pero bueno, si el objetivo era presentar Estados, quedó cumplido con creces porque, como digo, todas sus canciones sonaron poderosamente eléctricas pero sin perder el arenoso sabor de folk del desierto que invade el disco.

Muy destacables sonaron también De Los Que Pueden Dormir y Lo Fundamental, así como los solos de guitarra de los temas más íntimos como Your Private Garden. Como no podía ser de otro modo, hubo un tema de Neil Young en el repertorio (Aníbal llegó a decir que nunca ha dado un concierto en el que no incluya uno), Cinnamon Girl, que sirvió de poderoso y eléctrico cierre para una actuación que deja clara una cosa: lo más probable es que cuando vuelva a ver a The Bright en directo, lo hagan todavía mejor que en esta ocasión. Así parece ser siempre.

El concierto fue retransmitido en directo por AgoraMusic y puedes verlo desde su canal de Youtube, por si te apetece revivirlo o tuviste la mala suerte de perdértelo. Os dejamos también con una pequeña galería con las fotos que sacamos durante el concierto.

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Desde que tenemos este blog en marcha no hemos ocultado nuestra predilección por la banda leonesa The Bright, que publicaron su segundo trabajo, Estados, el mes pasado con gran éxito de crítica y público. Mañana es el gran día: mañana Estados se presenta en la Sala El Sol de Madrid, el segundo concierto de la gira de presentación del disco tras el que ofrecieron la semana pasada en su ciudad natal. Obviamente, nosotros estaremos allí para verlos pero antes nos han dejado hacerles unas preguntitas sobre este nuevo disco y algunos otros aspectos de su música. Sin más dilación, os dejamos con ellas.

Pregunta: ¿En qué parte de la historia se conectan Arizona y la Plaza de Guzmán? ¿Qué caminos habéis seguido para llegar a un sonido tan característico y poco común en nuestro país? ¿Estas influencias musicales os vienen de casa o habéis entrado en contacto con ellas en algún otro momento y/o lugar?

Respuesta: La música que hacemos es el reflejo de un desarrollo que dura muchos años. Cuando te enfrentas a la labor de componer creemos que es importante meterte con estilos que has mamado durante mucho tiempo, es como habar en un lenguaje que dominas de verdad, siempre te podrás expresar mejor. Aunque nuestro abanico es más amplio de lo que pueda parecer a primera vista, por lo que no se pueden descartar sorpresas en un futuro.

P: Aunque no es una relación directa ni demostrable más que por tendencias y casos concretos, suelo fijarme en las procedencias de los grupos y la música que hacen. La pausa de vuestro anterior disco me cuadraba mejor con alguien acostumbrado a los rigores del clima leonés, pero Estados es mucho más cálido, como suelo decir, suena a arena del desierto. ¿A qué se ha debido esta inclinación? ¿hay algo de cierto en esta metáfora climática?

R: Pues es posible que sí, aunque a decir verdad no ha sido una metáfora intencionada. Quizás la grabación del disco ha sido esta vez un intento de escapar del frío, pero también de huir de los clichés. Hay sonidos más cálidos y desérticos, es cierto, sobre todo creemos que los pasajes de guitarra slide aportan mucho al respecto. Pero lo importante es lo que la escucha de los temas pueda inspirar o sugerir al oyente, la capacidad de evocar siempre es positiva.

P: Aunque en los últimos tiempos se nota cierta querencia entre el público nacional por el estilo de música que hacéis, sigue siendo una onda mucho más preciada en el extranjero. ¿No creéis que haber cambiado al castellano puede ser un hándicap? Me viene a la cabeza el éxito internacional que una vez tuvieron gente como Migala.

R: Aquí tenemos que ser muy sinceros: si basas la elección de tu estilo, de tu idioma o de cualquier aspecto de tu música en las posibilidades de éxito que pueda llegar a tener, lo más seguro es que acabes engendrando una enorme mierda. El primer disco surgió en inglés porque lo sentimos así en ese momento, y éste es en castellano por la misma razón. Y a partir de ahí, quien quiera escucharlo será bienvenido, pero siempre tendremos la convicción de que la verdadera forma de llegar al público, del país que sea, es creer realmente en lo que haces.

P: Por otro lado, está claro que con Estados estáis catando las mieles del éxito, tanto entre la crítica como con el público. El cambio al castellano sin duda debe haber contribuido en alguna medida a esto pero ¿qué otros factores creéis que están haciendo que Estados funcione tan bien? ¿Habéis cambiado en algo el proceso creativo con respecto a Sountrack For A Winter’s Tale?

R: Hay muchas diferencias, aunque la fundamental es que este disco se ha hecho con mucha más calma, sobre todo el proceso compositivo, ya que hemos tenido mucho tiempo antes de meternos en el estudio y quizás eso se ha notado. También tocamos con más seguridad, hemos dado más conciertos en los últimos meses que en 10 años en León, y todo eso se acaba transmitiendo a la hora de pegarle fuerte a la guitarra.

P: Últimamente se os ve muy activos en las redes sociales: habéis abierto un blog contando las experiencias que vais viviendo con el nuevo disco, subís muchas fotos a Instagram… ¿Os gusta toda esta historia? ¿Os aporta algo? A mi personalmente me gusta mucho ver las fotos de los lugares por dónde pasáis habitualmente porque siento que conecto mejor con los paisajes que dibujáis en el disco. ¿Son ese tipo de cosas las que pretendéis?

R: Siempre nos ha gustado aprovechar al máximo lo que nos ofrecen las redes sociales.Sobre todo estamos muy enganchados a Instagram, aunque intentamos estar activos en todas. Y el blog no deja de ser nuestro diarío de viaje, nos parece muy bonito estar en contacto con el público, y creemos que la visión en conjunto de todo ello puede hacer que se entienda mejor nuestra sensibilidad.

P: Para saciar curiosidades personales: un par de discos nacionales y extranjeros que últimamente se estén quemando en vuestros reproductores.

R: Nacionales: There’s A Man With A Gun Over There de Niño y Pistola, y Guadalupe Plata el último de Guadalupe Plata.

Internacionales: The Next Day de David Bowie y Push The Sky Away de Nick Cave & The Bad Seeds.

P: Vuestra carrera lleva un ritmo imparable desde hace muy poco tiempo. ¿Cuál es la mayor alegría que os ha generado tanta actividad? ¿y disgusto?

R: La mayor alegría es la suma de todos los pequeños momentos, sobre todo los que compartimos con la banda. Y el mayor disgusto esperemos que esté por llegar. La verdad es sí que hemos pasado por un momento muy duro, justo cuando empezábamos con The Bright, pero es lo suficientemente desagradable para que no queramos hablar de ello.

Bueno, pues lo dicho: mañana en El Sol de Madrid. Os dejamos con la reciente intervención de los leoneses en Los Conciertos de Radio 3 para ir abriendo boca.

Tras más de 7 años de silencio, el lanzamiento del octavo disco de estudio de Texas, The Conversation, está cada vez más cerca (será el 20 de mayo). Por lo que sabemos de él, se tratará de un álbum repleto de sonidos folkies y countrys, aunque siempre con el característico toque pop de la banda escocesa. Y como parte de la promoción, una pequeña parte del grupo (Sharleen Spiteri y Tony McGovern) vinieron a Madrid para presentar alguno de los nuevos temas y su nuevo sonido. Ello tuvo lugar este pasado lunes 29 por la tarde, en un céntrico hotel de la capital, en el que dos quintos de Texas interpretaron un pequeño set acústico de seis canciones, todo ello organizado por la cadena de radio M80 (sí, yo tampoco tenía del todo claro que siguieran existiendo).

Sorprendentemente, solo hubo dos temas nuevos en la lista de canciones interpretadas: fueron el single, The Conversation, que ya tiene hasta videoclip oficial; y Dry Your Eyes, que ya había sido interpretada en anteriores ocasiones y es bastante sencillo encontrar en Youtube. Ambos temas presentan un corte country muy clásico, ninguno llega a los 3 minutos de duración, aunque presentan una cadencia seria el primero, y melancólica el segundo. A día de hoy se conoce una canción más de The Conversation, la que se llama Detroit City y que Texas ya interpretaron en algunos festivales el pasado verano. Este tema confirma la tendencia folkie de la banda, aunque en ese caso la búsqueda de estribillos frenéticos y pegadizos queda mucho más patente. Queda bastante claro, entonces, que el nuevo disco de Texas quedará enmarcado en la oleada de folk-pop que está invadiendo el Reino Unido en el último año, aunque queda cierto resquicio de esperanza en que la pegada comercial de la banda sea capaz darles la autonomía necesaria para despegarse de los ritmos que llevan gente como Mumford and Sons o The Lumineers.

De los tres temas restantes, tres clásicos y una versión: una reinterpretación más del I Don’t Want A Lover que les catapultó a la fama, pero esta vez con un sabor arenoso de country americano; mismo estilo también para Black Eyed Boy (sobre estas líneas); una versión del Jackson de Johnny Cash y June Carter al que, aunque bienintencionado, le faltaban un par de ensayos; y la sorpresa de So Called Friend, tema emblemático de su tercer disco, Ricks Road (1993) y que yo, que he visto a la banda algunas veces en directo, nunca les había cazado tocando. El detalle de la Spiteri imitando con su voz los riffs de guitarra eléctrica del final de la canción porque, obviamente, ella y Tony solamente contaban con una acústica cada uno. El set fue ameno y divertido, la Spiteri se mostró extraordinariamente dicharachera y bromista y al terminar la actuación no dudó en sacarse fotos con todo el que se lo pidió. A la pregunta de si podríamos ver a Texas en directo de nuevo en nuestro país respondió que probablemente sí, pero que habría que esperar a octubre o noviembre para ello. En cualquier caso, ya queda menos para escuchar entero The Conversation.

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Iba a ser un concierto difícil. Lo sabía porque había echado una ojeada a los setlists que habían estado tocando últimamente: Eels se presentaban anoche en La Riviera de Madrid en el último concierto de la gira europea de presentación de su genial Wonderful, Glorius. Y cuando decimos que “presentaban su último disc”o queremos decir que no cabía esperar mucho espacio para canciones que no pertenecieran a éste. Y Wonderful, Glorius es un buen disco. Es más, es un disco cojonudo. Pero si escucharlo en versión estudio ya es complicado, trasladarlo a un escenario suena difícil de cojones.

Vaya por delante que quien escribe estas líneas es una ferviente seguidora de Mr. E y sus muchachos, y con esta ya contaba la tercera vez que los veía en directo. El resultado, aún sabiendo a lo que se iba, tuvo pros y contras. El primer punto a su favor, el público: lejos del maleducado y juvenil público de los eventos inde-poppies en los que me meto habitualmente, la audiencia era variopinta pero madura. Sobre todo, en general (obviamente con excepciones, pero no tantas), silencioso y respetuoso aunque sin llegar a ser frío ni distante: cuando hubo que aplaudir y vitorear, las personas que abarrotaban La Riviera cumplieron de forma más que correcta.

¿El primer inconveniente? El repertorio. Wonderful, Glorious es un disco que hace honor a su nombre, sí. Pero divertido, lo que se viene diciendo divertido, no es. Y, aún así, la banda de E se atrevió a obviar muchísimos de sus más grandes éxitos en aras de ejecutar muchas de sus canciones en directo. La delgada línea entre la valentía y la locura fue, en este caso, verdaderamente palpable. Si a esto le sumamos que el de anoche en Madrid fue el último concierto de una gira de 10 semanas por Europa, uno podía temer que el agotamiento hiciera acto de presencia. Y, desgraciadamente, lo hizo. De modo que la única forma de hacer frente a estas dificultades era tirar de la calidad irreprochable de los músicos miembros de la banda. Afortunadamente, Eels pueden permitirse estas cosas: supongo que si no pudieran, no se atreverían a girar sin tocar temas como Novocaine For The Soul o Hey Man (Now You’re Really Living) y aún así aspirar a llenar salas sin demasiadas complicaciones.

Puestos claros los antecedentes, vayamos con la actuación de anoche en Madrid. Para empezar, comentaremos que el sonido de La Riviera durante el primer tema, Bombs Away, fue aberrante de manera que no estoy segura de que deba decir nada sobre él: es una canción con una versión de estudio desconcertante y poderosa, pero anoche sonaba descompasada y con ciertos problemas de coordinación entre los músicos y la voz. Puede que fuera el sonido. Afortunadamente, en los temas siguientes este asunto se fue solucionando. No es que La Riviera llegara a sonar bien en ningún momento (ojo, yo estaba en un lateral, pero en esa zona otras veces el sonido no me ha parecido tan horrible), pero comparadas con la primera, las siguientes canciones sonaron como si se interpretaran en el Royal Albert Hall.

La primera tanda de canciones perteneció íntegramente al nuevo disco: Bombs Away, Kinda Fuzzy, Open My Present… son todas canciones muy complejas, con rítmicas rebuscadas que trataron de explotar su faceta más guitarrera tirando además de la batería que, para marcar la diferencia, se encontraba en la primera línea del escenario. Después del desaguisado de la primera canción, las siguientes fueron encontrando mejor concordancia entre todo el grupo, hilándolas tal vez con algo más de delicadeza y consiguiendo resultados más convincentes. El público observaba con un mutismo respetuoso pero sin sobresaltos que empezó a mutar cuando hacia la mitad de la actuación sonaron Peach Blossom (con psicodélico baile de E incluido) y, sobre todo, las pegadizos e incofundibles acordes de Prizefighter.

Como nuevo estallido de júbilo entre el público cayó Fresh Feeling un poco después, aunque algo ensombrecida por los cinco minutos de payaseo de rigor: parece ser que este año se cumplen 10 de la incorporación del guitarrista conocido como The Chet a la banda y se había montado cierto numerito de renovar sus votos con E en público. No me malinterpreten, la idea era bonita, pero se notaba demasiado que llevaban dos meses repitiendo el mismo diálogo y el palpable cansancio dejaba entrever cierto tedio que le restaba toda la gracia. Pero tras esto encaramos la fase final del concierto, con su momento culminante en la interpretación de dos temas tan absolutamente inmejorables como Souljacker Part I y Wonderful, Gloroius; que dejaban los ánimos hábilmente caldeados para los bises.

Durante los bises E manifestó que tras 10 semanas de gira él y la banda se encontraban bastante cansados: fueron más cortos de lo habitual. Empezaron con un tema algo menos conocido y que roza el género de la balada, I’m Your Brave Little Soldier; continuaron con un mesh-up entre My Beloved Monster y Mr. E Beautiful Blues y finalizaron con esa maravilla que es Fresh Blood, con E bañado en luces rojas y los vítores admirados del público. El concierto finalizó sin ser el mejor que le he visto a esta banda. Es obvio que el cansancio hizo mella en ellos, pero también la ¿valentía o tozudez? de presentar un setlist alejado de los grandes éxitos (mi experiencia es que este tipo de conciertos “para todos los públicos” los reservan para la temporada festivalera) y, aún así, consiguieron llenar La Riviera, una vez más, de sinceros y maduros admiradores que disfrutamos de su música y su buen saber hacer. Un concierto, en resumen, ideal para fans y entendidos, sí, pero perfectamente apreciable por cualquiera que sepa disfrutar de la buena música.