El guitarrista de Creed y Alter Bridge debuta en solitario con un meritorio trabajo cargado de solidez y metal de calidad.

Desde que Mark Tremonti (Detroit, 1974) hiciera su aparición en la escena musical de primer nivel a mediados de los 90 como miembro de Creed, su trayectoria ha supuesto un claro ejemplo de cómo la constancia, el esfuerzo y la profesionalidad pueden acabar cimentando una brillante carrera en el mundo del espectáculo. Tras la disolución de su primera banda por diferencias con el cantante Scott Stapp, en 2004 fundó junto al resto de miembros de aquella y un por entonces poco conocido Myles Kennedy Alter Bridge, lo que a la larga le reportó un claro paso adelante tanto en calidad como en proyección internacional. Si hace no mucho le veíamos compaginando giras con ambos grupos debido a la resurrección de Creed, ahora que las dos formaciones parecen estar tomándose un descanso él no ha querido perder el tiempo y ha aprovechado para publicar su primer trabajo en solitario.

De izquierda a derecha, Garrett Whitlock, Mark Tremonti y Eric Friedman

Para la grabación de “All I Was”, Tremonti ha contado con la única ayuda instrumental del bajista  Eric Friedman y el batería Garrett Whitlock, además de con la labor en la producción de su últimamente inseparable Michael “Elvis” Baskette.  En palabras del propio Tremonti, el disco recoge algunas de las composiciones que ha ido acumulando a lo largo de los últimos años y que no tenían cabida en el estilo de ninguno de sus dos proyectos activos, pero los aficionados de Alter Bridge reconocerán sin duda muchas de las características que contribuyeron a elevar a dicha banda al estrellato. Obviamente, la principal diferencia se encuentra en las voces, asumidas aquí de forma íntegra por el propio Tremonti, y hay que decir que con bastante acierto, como ya dejaba notar en “Words Darker Than Their Wings”, con la que cerraba “ABIII” cantando a dúo con Kennedy. Otro de los rasgos que alejan “All I Was” de la línea que venía siguiendo la anterior banda del guitarrista es la ausencia casi absoluta de sonidos algo más optimistas, predominando aquí en todo momento las atmósferas oscuras.  Por lo demás, las semejanzas con la vertiente más dura de Alter Bridge son notorias, como no podía ser menos tratándose de un músico de tan marcada personalidad e influencia en sus proyectos. Para terminar de guisárselo y comérselo él solito, el disco ha sido lanzado a través del sello FRET12, que el propio Tremonti fundó junto a su hermano en 2008.

El resultado es un álbum de sonido sumamente pesado y sobrio, si bien no exento de sus dosis de melodías melancólicas. Precisamente con ese deje amargo se produce la apertura a cargo de “Leave it alone”, para dejar paso inmediatamente a la contundencia despiadada de “So you’re afraid” y los ritmos acelerados de “Wish you well”. La pronunciada pendiente inicial se suaviza algo con la oscura “Brains” y el tono melancólico de “The things I’ve seen”, que desemboca en balada en “New way out” tras el heavy enérgico de “You waste your time”. Superada la primera mitad nos llega “Giving up”, que encierra una de las cumbres del disco en su vigorosa parte central de guitarra y batería. A continuación, “Proof” vuelve a rebajar un tanto el nivel de intensidad, que se recupera por momentos en la canción que da título al álbum en las enérgicas secciones instrumentales que se desencadenan tras los medios tiempos que acompañan a las estrofas principales. Por último, “Doesn’t matter” sirve de mera preparación para el gran desenlace que constituye “Decay”, una de las canciones más destacadas del álbum en su genial contraste de temática depresiva con los sonidos más esperanzadores de toda la obra.

Si bien la menor versatilidad vocal de Tremonti quizás pueda hacer que en algunas fases suene algo monótono, el disco se mueve siempre en un nivel más que correcto y deja algunos momentos interesantes, sobre todo en lo que se refiere a su parte instrumental.  “All I Was” sin duda bebe de todo lo que Mark ha sido hasta ahora como músico, a la vez que supone un prometedor punto de partida para lo que pueda llegar a ser.  Aquellos que disfrutaran de las anteriores publicaciones de uno de los guitarristas más relevantes de la actualidad sin duda encontrarán motivos para hacerlo con este homogéneo trabajo, sólido como la negra roca sobre la que Tremonti sigue empeñado en grabar a fuego su nombre. Desde luego, él sí que sabe aprovechar el tiempo.

El pertinaz Mille Petrozza avanza un paso más y afina el estilo de su banda para entregar una descomunal obra que aúna a la perfección brutalidad y melodía.

Si alguien piensa que el anticristo ha de hacerse presente en la tierra en forma de demoníaca figura antropomórfica a lomos de caballos putrefactos, o bien como un despiadado gigante celestial dispuesto a segar toda forma de vida, quizás está pecando de superficial. En su decimotercer álbum, Kreator nos propone mirar debajo del envoltorio en busca de un anticristo más sutil, un anticristo fantasma que se oculta entre nosotros, que se alimenta de nuestras mezquindades y ataca desde lo cotidiano. Kreator, qué demonios, nos invita a dejarnos de chorradas y mirarnos al espejo. El planteamiento no parece demasiado original, pero si aceptamos la invitación de mirar más allá quizás nos encontremos con una auténtica obra maestra.

Desde su regreso a los sonidos más puramente thrashers con “Violent Revolution” (2001), superada su etapa de experimentación, Mille Petrozza ha venido dotando paulatinamente a su banda de un perfil más melódico, sin alejarse nunca de la brutalidad desenfrenada que les caracterizó en sus inicios, pero tratando de sacar pleno partido a la sutileza técnica que han ido desarrollando con los años. En esa evolución desempeñó un papel fundamental la incorporación de Sami Yli-Sirniö, cuyas más templadas cuerdas se han mostrado como el perfecto complemento a los rabiosos ritmos de Mille. “Phantom Antichrist” constituye la cristalización final de ese nuevo estilo, en el que se aglomeran speed metal, thrash, death y una reconocible vena power metalera como elementos más destacados.

La atmosférica e instrumental inroducción de “Mars Mantra” propone un breve crescendo para ayudar a quien escucha a sumergirse más fácilmente en la tralla sin piedad de la canción que da título al álbum, toda una declaración de intenciones que sirve a su vez como presentación comercial del disco. A partir de ahí, se acabó la tregua. Una vez destapada la figura del anticristo fantasma, el argumento explora las distintas caras del mismo a través del maltrato a la naturaleza, el colapso del capitalismo o la infamia de la persistencia de las religiones, alternando el más oscuro pesimismo con revolucionarios mensajes esperanzadores. Así sucede inicialmente con las arrebatadoras “Death To The World“, “From Flood Into Fire” y “Civilization Collapse“, plagadas de ritmos acelerados, parones embriagadores y solos de vértigo. “United In Hate” parece concedernos un respiro con su comienzo acústico solo para poder golpearnos con más fuerza después, preparándonos para lo que se avecina. Si llegados a este punto Kreator ya se ha ganado el respeto supremo de la audiencia, “The Few, The Proud, The Broken” nos lleva a una de esas cimas que rara vez se alcanzan en un álbum, desatando una épica majestuosa de la que ya no querremos descender. Por fortuna, “Your Heaven My Hell” mantiene perfectamente la competencia con su predecesora, prolongando el éxtasis y abonando el terreno de los himnos, que fructifica de forma más clásica en “Victory Will Come“. Quizás el único pero que podría ponérsele a “Phantom Antichrist” sea el brusco contraste que supone “Until Our Paths Cross Again“, un cierre correcto y argumentalmente coherente pero que no está a la altura de los logros progresivamente alcanzados a lo largo del resto de la obra.  Uno a la vez querría que esto no acabara nunca y que lo hiciera de una forma que le permitiera quedarse en esa cima hasta decidir si prefiere congelarse en ella o lanzarse al vacío.

Hace tiempo que un servidor soñaba con que el apocalipsis, si es que había de llegar,  lo hiciera en forma de enrabietada banda de thrash dispuesta a arrasar nuestra existencia con su trueno a la vez que a cautivarnos con sofisticadas y despiadadas melodías que nos condenaran a rendirnos a él. Hace tiempo que muchos esperábamos ese día con impaciencia. Pues bien, ese día por fin ha llegado. Y esa banda era Kreator.

Bienvenido sea este apocalipsis en forma de magistral compendio de metal de obligada exploración para todo amante de la música.  Bienvenido sea “Phantom Antichrist”.

Se cumplen treinta años del lanzamiento de la obra maestra con la que Judas Priest cambió para siempre el heavy metal.

En 1982, Judas Priest era una banda plenamente consolidada, cuyos labios aún estaban impregnados de las mieles del éxito de su “British Steel”. Podían presumir de haber hecho nacer una década al ritmo de himnos como “Breaking the Law” o “Living after midnight”, así como de mantener un ritmo constante de publicaciones, que hasta la fecha se completaba con el más humilde y contenido “Point of entry”. Este había constituido un primer intento de desembarco en las tierras del nuevo mundo y de la MTV por iniciativa de la discográfica, y había interrumpido el progresivo endurecimiento que hasta entonces había ido experimentando el sonido de la banda en favor de un producto más amable y cercano al hard-rock clásico. Al no cosechar el éxito esperado, los miembros de Judas contaron con una mayor libertad creativa para su siguiente disco y decidieron abandonar las cómodas autopistas en las que se acababan de embarcar para retomar la sendas más duras por las que habían venido transitando anteriormente. El resultado iba a ser mucho más que uno de los álbumes más exitosos de su carrera.

Judas Priest, a principios de los ochenta

Para la grabación de la que sería su próxima obra, Rob Halford, Glenn Tipton, K.K. Downing, Ian Hill y Dave Holland se encerraron en los Ibiza Sound Studios, donde trabajaron a destajo a fin de acumular material para su posterior mezcla en Florida a las órdenes de Tom Allom. El grupo se centró hasta tal punto en sus nuevas canciones que incluso la noticia de la aproximación de un huracán a las inmediaciones del estudio les pasó completamente desapercibida hasta que un buen día vieron los árboles doblarse a través de la ventana. En medio de vientos huracanados y tormentas eléctricas, el sonido de “Screaming”, como inicialmente pensaban titular el nuevo álbum, quedó plenamente perfilado, a falta tan solo de algunas pistas adicionales que grabarían en Orlando. Una de las últimas incorporaciones al nuevo repertorio fue “You’ve got another thing comin’”, grabada en tan solo una hora ante las presiones de la discográfica exigiendo algún tema más fácilmente radiable. La canción se convirtió inmediatamente en el primer sencillo promocional en agosto de 1982 y reventaría las radios de todo el mundo, conquistando incluso un espacio de honor en la ansiada meca de la MTV.

El álbum, finalmente titulado “Screaming For Vengeance” tras los últimos retoques realizados, había visto la luz el 17 de julio anterior para regocijo de los aficionados más aguerridos de Judas Priest, que desde el mismo inicio del mismo pudieron reencontrarse con la vena más dura de la banda llevada un punto más allá en contundencia y velocidad. Aún hoy, la genial introducción de “The Hellion” seguida de la orwelliana “Electric Eye” es capaz de poner los pelos de punta a cualquier heavy que se precie, y así lo hizo en 1982 en cada uno de los conciertos del World Vengeance Tour.

Halford, elevándose colosal sobre las masas

La gira, para la cual contaron como teloneros con bandas de la talla de Krokus, Uriah Heep y Iron Maiden, que acababan de publicar su “Number Of The Beast”, fue un completo éxito y elevó a Judas Priest a un nivel aún mayor de trascendencia internacional. El Heavy Metal veía nacer una auténtica revolución en su sonido, despojándose de los últimos restos de blues en favor de un mayor dinamismo no reñido con el éxito comercial, y “Screaming For Vengeance” representaba a la perfección todos esos nuevos valores. Heredero del seminal “British Steel”, supuso una nueva vuelta de tuerca a lo allí logrado, y mezclaba a la perfección el virtuosismo técnico y la velocidad de temas como “Electric Eye” y “Riding On The Wind” con la contundencia de “Bloodstone”, el gancho de “You’ve got another thing comin’”, el poso americano de “Pain and pleasure” y los geniales medios tiempos de “Fever” y “(Take these) Chains”, que fue elegido como segundo sencillo. Las guitarras de Glenn Tipton y K.K. Downing se afilaban como cuchillas y adquirían una clara inspiración en el sonido de AC/DC, contribuyendo a la adopción de la banda de los hermanos Young para la familia heavy. Y por encima del conjunto se elevaba un colosal Rob Halford, definitivamente desatado y para el que no parecía haber agudos imposibles, como demostraba de forma especialmente notoria en el genial cierre a cargo de “Devil’s Child”.

Judas Priest, convertidos en auténticas leyendas del Heavy Metal.

“Screaming For Vengeance” fue un completo éxito de ventas y alcanzó el puesto número 11 en las listas británicas y el 17 del Billboard. Antes de que acabara el año ya había llegado a disco de oro, y para abril de 1983 obtenía la certificación de platino. Pero su influencia a largo plazo habría de superar con creces el impacto inicial. En 2001 se confirmaba como el primer disco en alcanzar el doble platino para la banda y son innumerables las versiones que se han realizado de los temas que lo componen, que en su mayoría forman ya parte de la cultura heavy. Subgéneros como el speed metal o el thrash encuentran sus raíces en este álbum, gracias al cual el heavy se transformó para siempre. Como profetizaba la cita que se incluía en la contraportada del disco, la llegada de The Hellion arrasó con todo y permitió a los heavies de cualquier lugar cobrarse una merecida venganza, personalizada en aquel inolvidable grito que abría el tema que da título al álbum.

“From an unknown land and through distant skies came a winged warrior. Nothing remained sacred, no one was safe from the Hellion as it uttered its battle cry… Screaming for Vengeance!”.

Ya está aquí, el verano está a la vuelta de la esquina y con él nuestros amigos preferidos: los grandes festivales bajo el sol. Varias cervezas, la playa, el campo y un buen par de escenarios gigantes es lo que más nos pone las pilas para disfrutar del buen tiempo. En bSides vamos a hacer un repaso al panorama festivalero del verano 2012, para que no te pierdas ni un solo evento estos meses. Hoy empezamos la sección Los festivales son para el verano hablando de los grandes eventos musicales con repercusión internacional que van a tener lugar en la Península Ibérica en las próximas fechas.

Trío de ases a mitad de julio

Sin lugar a dudas, lo más fuerte llegará a nuestro país el fin de semana del 14 de julio, con ni más ni menos que 3 festivales gigantescos en la Península:

Festival Internacional de Benicàssim

Fechas: 12-15 de julio

Ubicación: Benicàssim, Castellón (España)

Precio (abono): 165€ (+ 85€ de camping)

Cabezas de cartel: Florence + The Machine, Bob Dylan,

The Stone Roses, New Order

Web | Lista de Spotify

El gran icono hispano no termina de levantar cabeza y no se parece ni de lejos a lo que fue. Pese a todo ha configurado un cartel interesante, aunque demasiado volcado en viejas glorias. Eso sí, menudas glorias, ver reunidos a los Stones Roses y otra vez a New Order es ya un atractivo ineludible, pero tienen que recurrir a un mito menor como At The Drive-In para cubrir ese cupo. La tradicional presencia de dinosaurios se copa esta vez por Bob Dylan, y Noel Gallagher completa el apartado “prestigio” y el ineludible faro brit. Florence + The Machine, una de las bandas más prometedoras de los últimos años, aportará la, relativamente, sangre nueva en los neones del FIB, quedando para David Guetta el tradicional fin de fiesta en el escenario grande.

The Horrors, Miles Kane, The Maccabees, The Vaccines, Crystal Castles, The Antlers, Spector o Zola Jesus son actuaciones que intentaría no perderme, quedando el producto nacional reducido a nombres como Cooper, La Habitación Roja, Klaus & Kinski, La Casa Azul, o Jero Romero. No están en letras gordas en el cartel, pero mitos como De La Soul y los Buzzcocks actuarán allí.

En otros tiempos no me daba el cuerpo para estar en tantos conciertos como ofrecía el FIB, hoy se puede tomar con mucha más calma.

Bilbao BBK Live!

Fechas: 12-14 de julio

Ubicación: Bilbao, Vizcaya (España)

Precio (abono): 111€

Cabezas de cartel: The Cure, Radiohead, Garbage

Web | Lista de Spotify (no oficial, creada por bSides)

Cuando hace unos meses hubo que decidir si este año la pandilla iba a algún festival grande, la decisión quedó pendiente de una sola cosa: se iría al festival español que trajera a The Cure. Así que la mayoría de bSides tiene las entradas de este festival desde hace tiempo. Fueron muchos los que tacharon de locura e inconsciencia su coincidencia con el FIB en cuanto se anunciaron las fechas. Pues se equivocaron, este año es el festival playero el que sale perdiendo.

Por supuesto, la presencia de Radiohead (que tocarán, casualmente, el mismo día que Vetusta Morla) y Garbage (en su única fecha en España por ahora) hacen todavía más grandes las expectativas. La inmensa mayoría de los grupos internacionales invitados son de renombre y calidad: Mummford & Sons (con suerte hasta escuchamos alguna canción nueva), Noah and the Whale o The Kooks se sumarán a un buen plantel de artistas nacionales como La Habitación Roja o los vascos Zea Mays. Y, además, ¡sin los calores de Levante!

Optimus Alive

Fechas: 13-15 de julio

Ubicación: Oeiras, Lisboa (Portugal)

Precio (abono): 105€ (+ 28€ de camping)

Cabezas de cartel: The Stone Roses,

The Cure, Radiohead

Web | Lista de Spotify (no oficial)

Creo que a estas alturas ya no quedan abonos para este festival lisboeta, y las entradas de día se agotan a gran velocidad. Un cartel corto para tres días, pero con tres primeros espadas de toma pan y moja: The Stone Roses, The Cure y Radiohead. Si tuviésemos a mano una máquina de medir influencia en la historia de la música a lo largo de los últimos treinta años, entre estos se llevarían un porcentaje seminal superior a la mayoría absoluta. Sin duda una experiencia inolvidable en un entorno que sugiere de lo lindo.

En menor escala hay dos citas de culto: el travieso Tricky ejecutando su Maxinquaye y la reunión de Mazzy Star. Pero no acaba aquí la cosa; una “clase media” conformada por gente como Justice, Snow Patrol, los otrora impactantes Death In Vegas, Caribou, The Kooks, The Kills, Miles Kane, Florence + The Machine, Mumford & Sons, Metronomy o  The Maccabees aseguran divertimento durante los tres días si es que alguien sobrevive a las emociones de los tres cabezudos.

Menos mal que nos queda Portugal.

Nuevo gigantes en Madrid

Tras unos años de parón, parece que el panorama festivalero en la capital española empieza a reactivarse. Veamos las tres iniciativas más grandes que nos ofrece:

Día De La Música

Fechas: 21-24 de junio (22-23 en Matadero)

Ubicación: Madrid, España

Precio (abono): 66€ (no incluye camping)

Cabezas de cartel: Two Door Cinema Club,

Christina Rosenvinge, Love Of Lesbian, Fanfarlo

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Era necesario un festival así en Madrid, y qué mejor lugar que las inmensas naves del Matadero de la capital para albergarlo. Con un cartel inmenso para su escasa duración, la única pega de este festival urbano ya se ha comentado muchísimo: es su precio. Y es que el año pasado, entre el patrocinio de Heineken y la ayuda del Ayuntamiento de Madrid, la entrada para el pedazo de festival que montaron (nuestras reseñas aquí y aquí) se quedaron en 24€ de nada.

Pero no se puede negar que la versatilidad del cartel hace la boca agua a los más indies de la capital: los animados Two Door Cinema Club, los siempre acertados The Ravenoettes, los clásicos Mercury Rev o los omnipresentes Love Of Lesbian justifican pagar una entrada así, sobre todo teniendo en cuenta los antecedentes de buena organización de éste evento. El único miedo es el calor que pueda hacer en la capital en esos primeros días de verano, pero si sobrevivimos al concierto de Lykke Li del año pasado, nada podrá ponérsenos por delante éste.

DCode Fest

Fechas: 14-15 de septiembre

Ubicación: Madrid, España

Precio (abono): 80€ (no incluye camping)

Cabezas de cartel: The Killers, Sigur Rós

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Un festival que el año pasado sorprendió y mucho, por su inesperada irrupción en el panorama internacional y por su ecléctico cartel. Personalmente quien escribe estas líneas lo pasó de vicio en la edición pasada, a pesar de la terrible ola de calor y los más que deficientes puestos de comida habilitados en el recinto. Pero también sé que el año pasado el festival no fue tan exitoso como se esperaba y que la edición de este año peligraba. Al final, la solución de compromiso anima a todos: se pasa a septiembre, se evitan calores y coincidir de cerca con los demás eventos de la capital.

Por si eso fuera poco, la primera confirmación me quitó el aliento: mis isladeses favoritos, Sigur Rós, como cabeza de cartel. De bonus, The Killers, esa típica banda para la que las entradas siempre se agotan a una velocidad pasmosa a pesar de venderse a precios desorbitados: es posible que un festival sea la forma más sencilla y económica de verlos. Y para no olvidarnos de que el cartel del DCode tiene que ser ecléctico, una de rock muy duro, Justice, confirmación que me sorprendió y agradó a partes iguales, porque son un grupazo; y el soplo indie y juvenil de The Kooks. Quedan bandas por confirmar, pero parece que volveremos a tener música para todos los gustos en la Complu este verano.

Rock In Rio

Fechas: 30 de junio, 5-7 de julio

Ubicación: Arganda del Rey, Madrid (España)

Precio (abono): 69€ (no incluye camping)

Cabezas de cartel: Maná, Rihanna,

David Guetta, Red Hot Chilli Peppers,

Lenny Kravitz

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Cierto, Rihanna y Maná puede que no sean el estilo que llevamos en este blog, pero lo cierto es que Rock In Rio es un festival gigantesco que se celebra cada dos años en un recinto especialmente habilitado para ello, la Ciudad del Rock de Arganda, y por el volumen de gente que mueve, no debe quedar sin mencionarse.

Este año no han seguido la filosofía de la pasada edición, de organizar jornadas temáticas, en las que se pudo ver desde Hanna Montana hasta Metallica. Este año solo hay dos categorías: canción ligera (con varios grupos españoles por ahí pululando), grandes productos americanos y electrónica. Es en el apartado de electrónica donde este Rock In Rio destaca indudablemente, trayendo a los primeros espadas de la música de baile internacional: David Guetta y Pitbull.

Una de rock duro

Por último, un pequeño espacio para el rock más duro, que se subirá a los escenarios del FIB en un nuevo festival:

Costa de fuego

Fechas: 20-21 de julio

Ubicación: Benicàssim, Castellón (España)

Precio (abono): 80€

Cabezas de cartel: Marilyn Manson, Guns'N'Roses

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El Festival Costa de Fuego se estrena este año en su intento de acercar a las tradicionalmente indies playas de Benicássim los sonidos más duros, con Guns N’ Roses (o lo que queda de ellos) y Marilyn Manson como reclamos principales. La oferta se completa con un variado cartel en el que tienen cabida pesos pesados de los más diversos estilos a nivel internacional, como Nightwish, Lacuna Coil, In Flames, Paradise Lost, Amorphis y Opeth, y representantes del heavy patrio de hoy y de siempre, desde los clásicos Obús y Barón Rojo hasta los más actuales Angelus Apatrida y Vita Imana, pasando por los ya curtidos Warcry y Hamlet. Los que se decanten por esta opción, deberán armarse de paciencia para soportar con humor el más que probable retraso en la comparecencia del señorito Axl Rose. Avisados quedan.

Alter Bridge pone el colofón a su década prodigiosa con un directo impecable en el mítico estadio londinense.

En los últimos años, las publicaciones de discos en directo han dejado de ser un atrevimiento que sólo unos pocos elegidos se podían permitir. El avance de la tecnología de grabación in situ junto con las evolucionadas herramientas de producción y mezcla a posteriori permiten que prácticamente cualquier banda se sienta lo suficientemente capaz de vender lo bien que suena en vivo, aunque muchas veces el maquillaje oculte gran parte de la realidad.  Es cada vez más común encontrar directos cuyo sonido poco se diferencia del de un álbum de estudio, sin que esto necesariamente signifique siempre un elogio: en muchas ocasiones el resultado es una grabación fría, totalmente carente del sentimiento de una actuación ante el público, de cuya presencia apenas dan testimonio más que unos lejanos aplausos entre actos.

Myles Kennedy, en éxtasis ante la audiencia

Afortunadamente, este no es en absoluto el caso de “Alter Bridge Live At Wembley”.  Llegar a llenar el mítico recinto británico con sólo tres álbumes en el mercado está al alcance de muy pocas bandas y tal logro merece ser registrado con la mayor fidelidad posible, más aún cuando la capacidad de los músicos está fuera de toda duda. Los chicos de Alter Bridge son perfectamente conscientes de sus virtudes, que explotan a la perfección, así como del trabajo que han invertido en poder llegar hasta semejante hito en tan breve periodo de tiempo, y se han esforzado por obsequiar a sus fans con un cuidado producto en el que también ellos están presentes. A un sonido perfecto se suma una excelente reproducción del ambiente, que en todo momento hace que quien escucha se sienta parte de la multitud congregada para disfrutar del espectáculo.

Brian Marshall y Mark Tremonti

Solventado de inicio lo que debería presuponerse en un álbum de estas características, lo demás pasa a darse por supuesto en el caso de una banda que ha dado ya sobradas muestras de su saber hacer sobre un escenario. El virtuosismo instrumental de Mark Tremonti, Brian Marshall y Scott Phillips, junto a la excelencia vocal de Myles Kennedy, se ponen al servicio del exquisito repertorio que entre todos han elaborado en su corta trayectoria en común para dar lugar a un directo redondo en el que se aúnan contundencia y sentimiento a partes iguales. La excepcional colección de canciones que han alumbrado desde “One Day Remains” hasta  “AB III”, pasando por la cima de “Blackbird”, hace inevitable que a lo largo de una actuación se eche de menos alguna  de sus memorables composiciones, pero esto no hace sino dotar de mayor mérito al correcto equilibrio logrado en la elección de los temas. Las enérgicas “Come to life”, “Metalingus”, “I know it hurts” y “Ties that bind” brillan con igual intensidad que la deliciosamente oscura “Blackbird” o la melancólica versión acústica de “Watch over you”.

Cabe preguntarse, no obstante, por qué razón una vez más la edición en audio no incluye la totalidad de canciones que sí tienen cabida en el DVD y Blu-ray, como parece ser ya norma en todas las discográficas, que prefieren ahorrarse un disco a satisfacer plenamente a un comprador cuyo perfil sin duda le llevaría a pagar de buena gana el pequeño coste extra que este pudiera suponer.

Myles, dirigiéndose al público de Wembley

Para Alter Bridge, como verbaliza el propio Myles, “dreams fucking come true”. Igual de verdadero suena su directo. A tenor de los derroteros que están tomando las carreras de unos y otros, con el regreso de Creed y la fructífera relación de Kennedy con Slash, muy probablemente nos encontremos ante la última grabación en algún tiempo de la que sin lugar a dudas es una de las más afortunadas apariciones en el panorama musical de los últimos años. Esperemos que se trate simplemente de un brillante punto y aparte.

¿Quién maneja a quién? El 22 de Marzo de 1982 La Bestia empezaba a mover sus hilos...

El 22 de Marzo de 2012 se cumplen treinta años del lanzamiento de “The Number Of The Beast”. Echamos la vista atrás para adentrarnos en los detalles y circunstancias de uno de los más influyentes álbumes de la historia, no sólo del Heavy Metal, sino del rock en general.

Primera foto de Iron Maiden con Bruce Dickinson

A finales de 1981, Iron Maiden se encontraba ante una encrucijada. Después de haber conseguido abrirse paso en la exigente escena británica de la época con dos álbumes en su haber, la banda se enfrentaba a la necesidad de tomar una decisión acerca de la limitante adicción al alcohol que sufría su vocalista. El físico del carismático Paul Di’Anno empezaba a pagar las consecuencias de sus abusos demasiado pronto y apenas era ya capaz de concluir un concierto sin mostrar evidentes síntomas de agotamiento y ver considerablemente mermadas sus capacidades. En septiembre de ese mismo año, Steve Harris y compañía decidían incorporar al hasta entonces cantante de Samson, un joven melenudo conocido como Bruce Bruce. Tanto el nuevo miembro como los antiguos integrantes de la banda sabían que se trataba de un momento crucial en sus respectivas carreras y por ello se dieron un margen de cinco conciertos en una minigira por Italia a finales de octubre para facilitar la compenetración de la nueva formación antes de entregarse a la escritura y composición de un nuevo álbum que no podía esperar mucho tiempo y que se presentaba como decisivo para su futuro.

Dickinson, en plena acción

El 15 de Noviembre, Paul Bruce Dickinson, nombre completo de Bruce Bruce, era presentado oficialmente en sociedad ante los fans británicos con un concierto en The Rainbow. Superada la prueba de fuego, era hora de encerrarse en el estudio. Los meses de Noviembre y Diciembre se dedicaron plenamente a la composición y grabación del nuevo material, que desde el principio mostró un claro sesgo de contenido religioso en algunos de sus temas principales. Como buenos heavies con tendencia a la provocación y enemigos de las medias tintas, el título elegido para envolver el producto final no podía ser otro que “The Number Of The Beast”.

Hábil jugada comercial o afortunada elección temática y estilística, lo cierto es que el tercer álbum de estudio de la Doncella De Hierro fue un éxito desde el principio. El 2 de Febrero de 1982 se publicaba “Run to the hills”, primer sencillo promocional, que se auparía hasta el número 7 en las listas británicas, convirtiéndose en el primer tema de la banda que se hacía hueco en el Top 10.

Brindando por el trabajo bien hecho con un Dickinson aún algo tímido

El 22 de Marzo (29 en Estados Unidos) se produjo el lanzamiento definitivo del álbum, que debutaba directamente en el número 1 y comenzaba con el tema de proverbial título “Invaders”: la gira “Beast on the road” se había iniciado ya un mes antes con 180 citas en todo el mundo, incluyendo 104 fechas en Estados Unidos con Rainbow, The Scorpions, 38 Special y Judas Priest, además de 33 en Europa, 10 en Sidney y otras 10 en Japón.  Durante la misma, Iron Maiden se estrenó como cabeza de cartel en un concierto celebrado en un estadio, el primero de los muchos que quedarían por llegar.

Pero no todo fue un camino de rosas para La Bestia. Grupos religiosos y conservadores, especialmente en Estados Unidos, no dudaron en tildar al grupo de satánico y manifestarse ante los recintos de sus conciertos exigiendo su censura. Independientemente del efecto llamada que esta misma controversia pudiera ejercer sobre un gran número de fans, lo cierto es que el conflicto persiguió a la banda durante largo tiempo, conllevándole no pocos inconvenientes. Prueba de ello es que diez años más tarde, en 1992, aún se prohibiría su entrada en Chile por cuestiones religiosas.

Afortunadamente, el tiempo pasa y los gobiernos cambian, pero la música permanece. No parece casualidad que Iron Maiden haya decidido lanzar esta misma semana, cuando se cumplen veinte años de aquella polémica y treinta de la edición del álbum que la inició, su última grabación oficial en directo precisamente en Santiago de Chile. “Iron Maiden En Vivo!” está disponible desde el 27 de Marzo en formato vinilo, CD, DVD y Blue-ray.

Foto promocional de "The Number Of The Beast"

Circunstancias particulares aparte, ni que decir tiene que “The Number Of The Beast” supuso el espaldarazo definitivo para la carrera de Iron Maiden, que a pesar de haber firmado previamente dos discos de la categoría de su homónimo debut y el magistral “Killers” no estaban gozando hasta entonces de la atención que merecían, a causa de la sombra que sobre ellos proyectaban otras bandas de la New Wave Of British Heavy Metal, como los entonces muy apreciados Saxon. “The Number Of The Beast” fue todo un punto de inflexión en la carrera y popularidad del grupo por su calidad y repercusión, pero también por la incorporación y descubrimiento para el gran público de Bruce Dickinson, que habría de convertirse en todo un icono y en uno de los mejores frontmen de la historia del género.

Sin lugar a dudas, el mejor homenaje que podemos rendir a esta obra maestra es dejarnos llevar por el ritmo de La Bestia, de modo que ¡Up the Irons y larga vida a Iron Maiden!