Hace pocos días recibimos la inesperada noticia de que Cranes se ponían en ruta y que venían a España, de la mano de ESP Concerts, a celebrar dos conciertos publicitados como muy especiales. Lo sorprendente del asunto es que no sacan disco desde 2008 y llevan sin apenas girar desde 2009 salvo un puñado de conciertos. Que las nuevas actuaciones programadas (por ahora) sean solamente tres, y que dos de ellas sean en nuestro país bajo el anuncio de ejecutar en más de dos horas un repaso a su carrera, hacen del evento algo especial. Es oportuno que aprovechemos para repasar la trayectoria de esta banda, ciertamente minoritaria, pero a la que se ha dedicado un culto muy fiel.

Los comienzos (1986-1992)

Nunca son fáciles. Pasaron cinco años desde que Alison y Jim Shaw formasen la banda en Portsmouth hasta la publicación de su primer L.P., Wings Of Joy (1991). Él se encargaba de las guitarras, su hermana del bajo, la guitarra acústica y, por supuesto, la voz, inconfundible seña de identidad de Cranes. En ese mano a mano grabaron su primer trabajo, Fuse (1986), una autofinanciación distribuida en forma de cassette, y posteriormente el mini LP Self-Non-Self (1989). Aquellos primeros pasos alumbraron a un grupo ejecutor de piezas musicales más experimentales que pop, con un sonido aún muy crudo, que navegaba entre percusiones marcadas y marañas de cuerda para envolver la voz de Alison, ahora dulce y suave, ahora un desgarro gatuno, ahora cantado al oído, ahora encerrado en una caverna, pero que dejaban un poso inquieto. Esa voz de niña, dependiendo del tono de la canción concreta, bien podía parecer un cuento infantil o una historia de terror. El caso es que gracias a Self-Non-Self lograron llamar la atención del prestigioso John Peel y grabar una de sus famosas sesiones para la BBC.

Fue el espaldarazo necesario para firmar con un pequeño sello, Dedicated, y ampliar la banda. Mark Francombe y Matt Cope se unían a Cranes para afianzar las guitarras, aunque Mark también se ocupase de bajos y teclados. 1990 pasó entre el lanzamiento de dos EP’s, Inescapable y Espero, los cuales tuvieron muy buena recepción, ganándose especiales del Melody Maker. Finalmente, en 1991 lograron lanzar Wings Of Joy. Para esas alturas el sonido de Cranes se había dulcificado un tanto, aunque no demasiado. Wings Of Joy continuaba poniendo sobre la mesa una propuesta musical no apta para todos los públicos. De un arranque aún en parámetros minimalistas, el disco poco a poco va haciéndose más y más denso, más oscuro, más inaccesible, con Starblood como pico de la radicalización progresiva del mismo. Sin embargo, ya encarando la recta final, aparece Tomorrow’s Tears, una delicada composición en la que la melodía ha abandonado la maraña shoegaze y las pesadillas siniestras cambiándolas por un dream-pop algodonoso. El primer gran emblema del lado más accesible de Cranes y que fue segundo single, después de Adoration.

John Peel no fue el único ser vivo de prestigio y con influencia que se había fijado en Cranes. El legendario productor Martin Hannett ya andaba haciendo de las suyas, pero fue Robert Smith quien resultó clave para catapultar a las “grúas”. El número 52 alcanzado por Wings Of Joy no estaba nada mal, pero que el líder de The Cure se llevase a la banda como teloneros del Wish Tour de 1992 era una oportunidad única para pasear a los de Portsmouth por el mundo. Así fue como yo les conocí, cuando sin haber cumplido los veinte estuve aquel día de noviembre en el Palacio de los Deportes de Madrid.

Popularidad y punto y aparte (1993-1997)

Desconozco hasta que punto el codearse durante meses con The Cure influyó más o menos en el nuevo disco de Cranes. Era obvio que entre la mezcla de cosas aún por pulir que habían mostrado hasta ahora, las inclinaciones hacia el pop oscuro, los tintes góticos y el siniestrismo sonoro estaban muy presentes. Los temas que adelantaban en la gira hacían presagiar algo muy interesante, y así fue. En la primavera de 1993 firmaban Forever, su mejor trabajo, y su disco más claramente emparentado hacia los sonidos del padrino Robert y su banda. Las once canciones que lo forman son toda una lección para el género, desde la contagiosa y rítmica repetitividad de Everywhere y Jewel, a la enigmática Adrift, pasando por las deliciosamente nostálgicas Cloudless y la maravillosa Far Away o las eléctricas Clear y Sun and Sky. Los trabajos de cuerda, percusión y teclados tejen con hilo fino un disco fabuloso en el que Alison se explaya cantando más melosa que nunca. Unicamente en su parte final pierde un poco de pulso, pero no es óbice para que Forever suponga el gran pico de Cranes, alcanzando el número 40 en los charts y el 29 con el single Jewel (remix de Robert Smith incluído). Su popularidad, igualmente, subió como la espuma.

Loved sería su tercer álbum en 1994, abierto con el single Shining Road incidía en los caminos más comerciales abiertos por Forever, aunque excluyendo la brillantez de dicho single, la inspiración va perdiendo algo de fuelle. Loved sin embargo suena mucho más eléctrico y gana en contundencia, acercándose más a un hipotético sonido Banshee, en especial en la percusión y lo erizado de las guitarras. Pese a que amaga con hacerse largo, sostiene el tipo hasta el final con temas como Beautiful Friend, Come This Far y Paris and Rome, manteniendo a la banda en sus mejores momentos de popularidad gracias, en parte, al arrastre de la ola anterior.

1996 traería un EP cuyo nombre lo dice todo: La Tragédie d’Oreste et Electre, realizado por entero en francés, y como consecuencia de su temática, venía con la teatralidad bajo el brazo, haciendo de él un trabajo en el que, en cierto sentido, se retornaba a la experimentalidad de los comienzos, pero también a nuevos registros por los que explorar la banda sonora y la narración musicada. En aquel momento, los Cranes ya eran quinteto con la incorporación de una nueva guitarra, la de Paul Smith, desplazando a otros miembros a otros instrumentos en la creciente incorporación de sonidos.

Poco después, en 1997 se llegaba a lo que parecía el punto final. Se editaba Population Four, un disco con notables variaciones de registro. Aunque la electricidad se mantiene a ratos, la clave no es la misma, se nota cierto esfuerzo por acercarse a los sonidos que imperaban en el rock noventero, cuando no es así aparecen caras acústicas de la banda no demasiado utilizadas hasta ahora. Aún hoy sigue sorprendiendo encontrar aproximaciones a, por ejemplo, un cierto sonido R.E.M., e incluso ramalazos de rock alternativo americano a lo Sonic Youth. Me van a perdonar, pero incluso aprecio cosas comparables con lo que por entonces hacían gente como Mercury Rev o Garbage. Pero los guiños son los guiños y hay cosas que marcan, los Cure más poperos vuelven a aparecer entre las líneas de Can’t Get Free, único single extraído. Lo sorprendente del disco por su eclecticismo alcanza incluso al hecho de que por primera vez aparece un tema no cantado por Alison Shaw (Stalk por su hermano Jim). Pero aquel año Dedicated cerraba sus puertas y dejaba a los Cranes sin sello y con la desbandada de Francombe y Cope. El último gesto, editar EP Collection, Vol 1 & 2, un recopilatorio de todas las caras B que acompañaban a los singles, que por su cantidad convertían a estos en la práctica en EP’s.

Renacer (2000-2008)

Por fin, en el año 2000, los hermanos Shaw deciden tomar el toro por los cuernos y formar su propio sello para seguir adelante, lo llamarían Dadaphonic, e incorporando a Ben Baxter al bajo y John Callender a la batería, se pusieron manos a la obra para lanzar Future Songs en 2001. Su tema homónimo (y Sunrise), que abre el disco, devolvía a los Cranes a los mejores momentos de Forever, aparcando el rock y retornando al pop oscuro y delicado. Una belleza de tema en el que además vuelven a acordarse del tito Robert usando guitarras nostálgicas cuyo referente primordial es Disintegration (1989). Pero el retorno conllevaba novedades. Ya antes se había notado, pero ahora es más que patente, que a la voz de Alison se le da mayor presencia al elevar en la producción su claridad. Sin embargo son las atmósferas electrónicas lo que marcan la gran nueva aportación. El sonido Cranes se vuelve mucho más envolvente y se aproxima al trip-hop y al ambient. Y no les queda nada mal, como muestra Flute Song. El disco acaba siendo en conjunto un delicado grupo de canciones que pasearon por el mundo volviendo a girar con The Cure. En 2002, año en que ambos rindieron paso por el Festival de Benicássim pude verlos por segunda vez, en un inolvidable concierto en una tórrida tarde en una de las asfixiantes carpas del recinto.

La siguiente parada sería en 2004, pero por medio editaron el EP de remixes Submarine (2002), y el directo Live in Italy (2003). El nuevo disco llevaría el nombre de Particles and Waves, encerrando diez temas que acentúan y profundizan los caminos de Future Songs, volviéndose más intimista, rescatando de nuevo a Jim Shaw como cantante y meciendo la música de Cranes en un algodón sonoro muy distinto al que ejecutaban antaño, salvo porque se aprecian arrebatos experimentales, solo que esta vez están protagonizados especialmente por máquinas. Cranes (2008), su último trabajo hasta la fecha, se hunde todavía aún más en estos parámetros, dando un perfil etéreo que escasamente rememora otros tiempos (Worlds). Una madurez reposada en bellos paisajes electrónicos.

De modo que nos encontramos ante una oportunidad única para disfrutar de esta banda, influyente y admirada en sectores minoritarios, pero de gran alcance, como por ejemplo demuestran sus apariciones en series, películas y documentales de éxito poniendo música a la imágenes, y que no se ha prodigado en exceso en nuestro país. Los conciertos de Barcelona el día 23 y Madrid el 24 a buen seguro van a generar mucha expectación. Es merecida. Con ustedes, Cranes, sin “The”, por favor.

Menudo mes nos ha caído encima con este Septiembre. Tal es así que nos vemos obligados a hablar en bloque de tres conciertos recientes en los que hemos estado. La gente ha vuelto con fuerza de las vacaciones y nos llenan la agenda. Pero sarna con gusto no pica, y Madrid es estos días un hervidero de pequeños conciertos de bandas poco o nada conocidas, zonas de ebullición a las que hay que estar atento, porque son el caladero, la arena donde se foguean chavales jóvenes en busca de oportunidades en una época demasiado jodida, y a veces te encuentras con que merece la pena ver gente con tantas ganas, porque si tienen un denominador común es este, pasión por lo que hacen.

Rubick

Muy majetes los chicos de Rubick, que al término del concierto nos firmaron su último EP.

Fue el 1 de septiembre en la sala Costello. Lo sé, vamos con retraso, pero no ha habido forma de hablar de ello antes. Nuestros valencianos favoritos, de los que ya dimos fe en el pasado BBKLive, dieron un concierto que, al menos a mí, me sorprendió mucho. Viendo las estrecheces de la sala me temía lo peor en cuanto al sonido y, sobre todo, en lo complicado que les iba a resultar a seis tipos tocar en un escenario en el que Falete difícilmente bailaría un chotis. Y sin embargo sonaron tan bien como lo hicieron en un escenario grande como el que tuvieron en Bilbao, y se adaptaron divinamente a las circunstancias espaciales. Les vimos más cercanos, abrigados por su gente y arremolinando a unos cuantos madrileños que se dejaron caer. Lo hicieron tan bien como ya sabemos que lo hacen, presentaron algún tema nuevo y nos dejaron con la misma cara de ilusión por lo que pueda deparar el futuro. Algo que si me resultó novedoso fue una faceta que no ví en Bilbao ni he apreciado aún en sus grabaciones: hubo un momento, de esos en los que se prolongan riffs y punteos intermedios para alargar un tema, en que la cosa parecía que se iba a meter en la psicodelia más rockera, no lo hizo definitivamente, pero mostró que Rubick también pueden ponerse más sixties que nineties si les apetece.

Cracktus

Saltamos al pasado viernes 7. La sala Rock Palace celebraba de mano de Delia Records un doble concierto para promocionar a dos de sus bandas. Y la primera fue Cracktus, un cuarteto al que no había escuchado y que me dejó bastante boquiabierto, puesto que a la insultante juventud que aparentan (no les he pedido el D.N.I.) hay que contraponer un sonido demasiado maduro para las dichosas apariencias. Y cuando digo maduro quiero decir que se les ve en la cara que lo han trabajado, que suenan a lo que quieren sonar y que se lo toman muy en serio. Al menos eso transmiten. Su propuesta, un rock que viaja de forma muy evidente entre los sesenta y los noventa, de la psicodelia clásica al britpop menos comercial pero más turbio y feroz, y con un ojo puesto en el grunge estadounidense. En cuanto encuentre un rato habrá que oir algo de lo que tienen en estudio, para paladear mejor el buen recuerdo que me dejaron. Eso sí, como es habitual cuando el repertorio es aún escaso, cayeron algunas versiones, entre ellas el Polly de Nirvana y el icono de los Kinks You Really Got Me. Ojo a la calidad de voz del chaval que además se ocupa de los teclados. De lo que si me he enterado es que ganaron el festival Wolfest de este año.

The Bärds

Eran la excusa para ir a este concierto, puesto que ya habíamos hablado de ellos por aquí y teníamos ganas de comprobar en directo si lo que suponíamos era cierto. Y no nos defraudaron. Son unos gamberros. Se comportan en el escenario como lo que aparentaban. Curiosamente todo el sarao se concentra en (su) lado derecho del escenario, donde los hermanos Naval la lían parda junto a Luis Guerrero. Mayor seriedad, como controlando todo, pero sin perder la sonrisa, al otro lado, donde se arrebuñaban la segunda guitarra y el bajo. Sonaron bien e incluso más contundentes que en estudio. Por desgracia la voz de Carlos no siempre era claramente audible y debería controlar mejor si no quiere destrozársela, pero en actitud no hay cristo que le gane, y es que al final, una buena parte de todo esto consiste en divertir y divertirse, y en esto los Bärds cumplieron con creces. Se quedó corta la actuación. No sé cuanta juerga habrá en Huesca, pero estos seis se han bebido la mitad de ella.

Así que ya sabéis, acudid a las salas pequeñas, fisgad en el circuito alternativo. Hay mucha diversión y gente con ganas de ofrecer cosas interesantes por ahí que se salen de la norma.

Porque ya sabemos que esta gente que organiza la Semana Gótica de Madrid les puede la pasión por lo que hacen y no se conforman con la programación del evento en sí, se descolgaron regalándonos un concierto acústico de la mitad de The River Knows, una banda noruega recién acuñada, todo ello con alrededor de un mes de antelación a lo que será la cuarta edición de este evento tan especial para mucha gente.

¿Y quienes son The River Knows? Pues aunque en principio el nombre diga poco, más allá de recordar aquel tema de los Doors, para quienes estén puestos en estos estilos musicales los nombres de Tristania,  Elusive, o Theatre of Tragedy deberían bastar para hacerles levantar las orejas. En efecto, la banda nace de la colaboración de Tommy Olsson con su pareja,  la mexicana Priscilla Serrano (proveniente de la banda metalera afincada en Berlín The End of Faith), que poco a poco fue materializándose en un proyecto muy interesante. Para cuajarlo ampliaron la nómina de miembros arrastrando al batería de Tristania Kenneth Olsson, al bajista Bjarte Langeland, y al guitarrista de Theatre of Tragedy Frank Claussen. Su primer concierto lo dieron en mayo, y ya han sido capaces de tener un primer EP circulando: The Ruins They Become. Este sábado nos visitaron la pareja seminal de la banda para darse a conocer.

La primera sorpresa que da The River Knows es que no suenan en absoluto a lo que acredita el caché de sus componentes. Ahí está el enlace para que podáis juzgar por vosotros mismos, pero el retorno al rock gótico más sólido de los ochenta -y asequible de un modo genérico-, es muy patente. La interpretación acústica, como podéis imaginar, ahonda mucho más esta sensación, pero destapando además unas esencias country y soul que envolvieron el evento, para mi regocijo personal, lo reconozco, porque me encanta que la gente sea capaz de saltarse la ortodoxia y demostrar, mucho más allá de las etiquetas, la importancia de las corrientes que interconexionan todo el universo de la música, aquí y allá, alimentándose entre sí.

De modo que Tommy y Pris se presentaron en la Sala Yas’Ta armados de un par de guitarras para amenizarnos el comienzo de la noche con unos cuantos temas, algunos ya conocidos por The Ruins They Become, otros novedosos -uno en concreto se finalizó la mismísima tarde anterior-, y un par de regalitos sorpresa que suelen acaecer en estas situaciones: una enésima versión del Dancing Barefoot de Patti Smith, y una inesperada versión del Entre Dos Tierras de Héroes del Silencio. Como siempre, el debe hay que ponerlo en las no siempre idóneas condiciones de las salas pequeñas madrileñas, aunque en este caso la Yas’Ta se comportó para el directo bastante mejor que la media, aunque si Pris hubiese explotado más su excelente voz se hubiese dado mucha más luz a la actuación, que en cualquier caso dejó muy buen sabor de boca para ese “largo” que están preparando.

La fiesta continuó en la sala Dark Hole, donde pudimos atracar en una esquina a los artistas, con nocturnidad y alevosía, para arrancarles unas palabras que confirmaban muchas de nuestras sensaciones. Pris nos confirmó que el sonido de The River Knows no estaba premeditado, que no era un proyecto marcado desde el inicio, simplemente surgió sobre la marcha durante sesiones junto a Tommy, el cual si que entró un poco más al trapo justificando el giro sonoro en que él siempre había tenido mucha influencia desde esas áreas y que emergían de forma natural, declarando la guerra al encasillamiento. Igualmente declararon que, más allá de guiños para la galería, lo de acordarse de los Héroes era también algo personal, decorándolo con flores a aquel Senderos de Traición que catapultó a los zaragozanos. Tommy llegó a lamentarse de no haber podido asistir a ningún concierto de la reunión reciente de la banda.

Y poco más dio de sí la noche. La Semana Gótica de Madrid comenzó a calentar sus motores y el cartel de su programación musical sigue guardado bajo llave. Sin embargo días atrás ya anunciaron, a través de Besarilia, un más que interesante programa para lo que han dado en llamar I Congreso de Arte, Literatura y Cultura Gótica Urbana, que como podéis comprobar viene cargadito en cantidad y variedad, y dado que aquí lo que somos es musiqueros, hay que destacar que incluso habrá ponencias sobre el tema que a buen seguro muchos no se querrán perder. También tienen en marcha la convocatoria de la Plataforma G, el área que la Semana dedica a la moda y que ya tiene fecha, el 17 de noviembre en la sala Ritmo y Compás. Sabiendo lo espectaculares que suelen resultar los trabajo de l@s diseñador@s es una cita que no me perdería. Y si resulta que te dedicas a ello, no se a qué esperas para presentarte.

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Aunque ya han pasado casi tres semanas desde que se dictara la sentencia contra el colectivo punk ruso Pussy Riot (si no sabes de qué va esta historia, bienvenido al planeta Tierra, aquí tienes un buen resumen), el caso no está olvidado ni mucho menos perdido. Son muchas las personas que a lo largo y ancho del globo se han preocupado por las tres integrantes de Pussy Riot que se encuentran encarceladas y que están intentando recaudar fondos para el recurso que van a interponer ante varias instancias jurídicas internacionales para intentar rebocar la sentencia que las condena a dos años de cárcel. El mundo de la música (especialmente del punk) y el feminismo madrileño no son una excepción.

Y es que cualquiera que quiera poner su granito de arena para echar un cable a las Pussy Riot va a tener una oportunidad de hacerlo este viernes 7 de septiembre, si es que se encuentra en la capital española. Y encima, de paso, podrá pasar un buen rato. ¿Cómo? Sencillo: coge tu pasamontañas (imprescindible), dirígete a la Sala Siroco (C/ San Dimas 3, metro Tribunal o Noviciado), aporta la cantidad que puedas y/o estimes razonable a la causa y únete a la fiesta que se desarrollará a partir de las 21:30. Puedes confirmar tu asistencia y leer más detalles en el evento de Facebook creado para la ocasión.

¿Los responsables? Por un lado está el colectivo de artistas agrupados bajo la Fundación Robo, que lleva ya algo más de un año poniendo música y letra al espíritu crítico y revolucionario que, de cuando en cuando, invade las calles de nuestro país últimamente. Por otro, el colectivo feminista LadyFest Madrid (que no es la primera vez que homenajea a estas rusas en la Siroco) y la revista cultural Una Buena Barba. Estos dos últimos colectivos amenizarán, además, el final de la fiesta como DJs.

Y como buen homenaje a Pussy Riot, el punk no va a faltar. Junto a la ya mencionada Fundación Robo, alejada de los aires punks pero cercana ideológicamente al movimiento #FreePussyRiot, tres serán las bandas que se encargarán de llenar la fiesta de tonos punk. Las Jennys de Arroyoculebro (en el vídeo), formación femenina perfectamente adecuada para manifestar el malestar que invade a cualquier defensor de la libertad de expresión ante el caso Pussy Riot: ruidosas guitarras y cantar a grito pelao para que nadie quede indiferente van a ser sus señas de identidad. En una línea bastante similar, tal vez algo más dura y cercana al grunge si cabe, podremos disfrutar de Las Sexpeares; y Gruppo Paralelo también practicarán post-punk, aunque un poquito más moderado que el de las Jennys, con melodías algo más comedidas y menos atención en el griterío.

¿Te parece poco? Pues desde la organización todavía prometen más sorpresas. Así que ya sabes: el viernes medio Madrid va a estar en la Siroco apoyando a las Pussy Riot y pasando un buen rato. No olvides tu pasamontañas.

¡Todas y todos somos Pussy Riot!

¿Vives en Madrid? ¿Te gusta Twitter? ¿Te gusta la música? (Esta última pregunta tal vez sea un poco estúpida, si no te gustara no estarías en este blog… ¿no?) Pues estás de enhorabuena: la semana que viene podrás disfrutar de un evento que combina Twitter, música, un pub irlandés gigante y gente maja. Y como en bSides nos gusta pasarlo bien y compartir los eventos en los que creemos que la gente se puede divertir, pues os lo contamos. Pero, para empezar, ¿qué es la ReTwittMad? Es una quedada de twitteros madrileños que se celebra en el Irish Rover (un pub irlandés gigante y muy cómodo que está cerca de la parada de metro de Santiago Bernabéu) que se celebra el primer miércoles de cada mes. Puede ir cualquiera, no hay que tener ni muchos ni pocos followers, solo ganas de tomar una cerveza, conversar y desvirtualizar.

Pero… ¿qué pinta esto en un blog de música? Pues se da la casualidad de que a veces la ReTwittMad es temática y este mes han tenido la buena idea de hacerla musical. Por ello han pedido a sus seguidores y asistentes que les digan a qué bandas les gustaría ver en el Irish Rover el próximo miércoles mientras se toman unas cervecitas. Y los ganadores han sido cinco grupitos pequeños, de esos que están empezando y que tienes que bucear por su myspace para escucharlos. Y oigan, que van a tocar de gratis, no se crean que para entrar a la ReTwittMad se cobra entrada y lo mejor es que no suenan nada mal. Así que veamos qué nos ofrecen con esta lista de reproducción de Youtube que hemos montado con lo vídeos que resultaron ganadores del certámen.

Para empezar, New Aristocrats compartirán su pop alegre y, sobre todo, glamuroso. A buen seguro ofrecerán la actuación más bailable y movida de la velada. En un registro completamente diferente, el de los cantautores, vamos a disfrutar de Lonch, con ritmos ligeramente latinos y algo bluseros; e Itziar Baiza, de voz tierna y melosa y temas emocionantes y melancólicos para añadir un punto romántico al evento. En un género mucho más blusero, con cierto gusto por las cadencias con las que se mezcla el rock a medida que avanzas hacia el sur de los Estados Unidos, se encuadra Monquimod, que ofrecerá una actuación de esas que se llenan de punteos imposibles y una extraña pero alegre sensación de melancolía. Por último, y como incorporación de última hora, la joven rapera Bea Covisa para completar el abanico de estilos y géneros con su femenina mezcla de poesía y conciencia social que se acopla rápidamente al ritmo de nuestros pies y cabezas.

De modo que esto es, un evento gratuito en el que se va a poder disfrutar de buena compañía, un pub amplio y cómodo y música gratis y de buena calidad. Yo no sé vosotros, pero a mi me parece un planazo de miércoles por la noche. Ya sabéis: a partir de las 20 en el Irish Rover.

The Lost Dreamer y Lebonloup se van a Bilbao, y como son unos fiesteracos de los buenos tienen la sana costumbre de no conformarse con lo evidente y lo que ya conocen. Rebuscan, investigan o se presentan a ciegas en un escenario a horas de siesta. Esta vez han hecho parte de los deberes y quieren marcar en rojo alguna de esas cosas que conocen pocos y que no quieren perderse en el BBKLive 2012. Esto es lo que han ido subrayando en su calendario:

Belako

Van a abrir la programación del escenario 3 el jueves a las 18.10, son dos chicos y dos chicas de Mungía, por lo que juegan en casa, pero no tienen disco ni siquiera un e.p. que llevarse a la boca, aún con todo, los clips que de ellos se pueden ver en Youtube y el material que han subido a su myspace prometen de lo lindo. Con cuatro duros y mucha habilidad, se han currado un clip para su tema Beautiful World, que a la primera de cambio lo que hace es que empiecen a correr las comparaciones con el estilo Joy Division/New Order gracias al teclado atmosférico que meten, pero evitemos confusiones, porque esa canción es lo más festivo que tienen, y cuando llegan las angustias el estilo es diferente, de una crudeza más próxima al rollo Pixies, al afterpunk oscuro o a los Radiohead de OK Computer, permitiéndose incluso escarceos colindantes a terrores góticos (Eurie) o fiestas electrorock (Monday), que tanto recuerda a gente como Cycle. Me han encantado y me da que vamos a empezar el festival a lo bestia.

Tribes

Por mucho que su aspecto sea bastante rockero algún detallito más pijín les delata. Estos chavales de Candem llegan con la vitola de ser los teloneros oficiales de The Kooks y tras un disco de debut que consiguió colarse en el Top 20 británico. Estarán a eso de las 19.10 del jueves en el escenario 3 para enseñarnos su indie rock directo, de melodías asequibles, frescas y ágiles, un cóctel que lo tiene todo para hacer que uno de cada dos temas sea un pequeño himno generacional. Que queden en el consumo rápido o logren imponer su nombre en años venideros el tiempo lo dirá. Arranques como este hemos visto muchos, pero de momento lo que está claro es que tendremos un buen rato animoso con ellos.

Zea Mays

Saltamos al segundo día del festival, el viernes a las 18.00 en el escenario 1. No es que Zea Mays sean una banda nueva, muy al contrario llevan ya más de diez años dando guerra y cuentan con seis discos, pero se ve que eso de cantar en euskera con alguna concesión al inglés les ha cerrado puertas, por mucho que abran opciones al ofrecer los textos traducidos al castellano. Allá cada cual con sus prejuicios absurdos. Sin embargo me sumo a la ignorancia a la vez que me regocijo por ponerme en la senda del aprendizaje, lo que he podido escuchar de ellos me parece muy bueno, especialmente su penúltimo disco Era (2010). En conjunto me dan la sensación de practicar un pop-rock con mucha referencia a aquello que llamaron rock urbano o de barrio, y no me quito una reflexión de la cabeza: a esto deberían haber llegado los Dover si alguna vez fueron buenos. Ineludible oportunidad para que aquellos de fuera del País Vasco conozcan cosas que inexplicablemente no salen de aquel circuito, y este y no otro es el motivo de su inclusión en este post de “descubrimientos”. Ojo al clip tan original que acompaña a un gran tema, Negua Joan Da Ta:

Rubick

Será el sábado en la Carpa Vodafone a eso de las 18.50. En cuanto hable de las similitudes de este quinteto valenciano con Oasis y alguno de aquellos a los que los Gallagher, en especial Liam, sacaba de quicio vea sus fotos, ya le van a caer mal. Aparte de lo evidente, que es lo que suena -tampoco siempre-, la pose, y el aspecto, y dado que a mi poco me importan las imitaciones si están bien hechas, Rubick me parecen un disparo de energía anclada en lo mejor que pudo dar el brit-pop noventero. De modo que los del lado contrario, los adoradores de Oasis y todo lo que orbitaba en aquellos años no tan lejanos, ya pueden presentarse a esta cita porque lo van a pasar teta. Para mi eran unos completos desconocidos hasta hace unos días y sin embargo cuentan desde hace más de un año un un estupendo disco: Go Dark While

Pure Love

Lo siguiente que espero con muchas ganas será un rato después, a eso de las 20.10 en el escenario 3. Allí quiero comprobar lo que ofrece el directo de Pure Love, un grupo recién formado entre Frank Carter y Jim Carroll, dos tipos a caballo entre EEUU y Gran Bretaña y con cierto nombre en el mundo anglosajón, de hecho la anterior banda de Carroll, Gallows, obtuvo algo más que “nombre” en los dominios de Isabel II.  Su disco está saliendo, pero ya han adelantado dos singles que prometen  prender fuego cualquier escenario con su punkrock clásico, estilo del que hacía tiempo no escuchaba cosa igual.

Damos por sentado que gente como las californianas Warpaint (viernes, escenario 3, 19.10), los chicos de We Are Augustines (viernes, escenario 3, 21.20), los canadienses PS I Love You (sábado, escenario 3, 18.10), o las atrayentes The Black Belles (sábado -ya domingo-, escenario 3, 01.40) no pueden considerarse como estrictas novedades o bandas ocultas en la sapiencia colectiva, pero por si a alguien no les sonaban, también andan en la agenda.

Thom Yorke en acción.

Que sepamos, el concierto programado por Radiohead en el BBK Live! de este verano, es el único que podemos esperar en España. Es por ello que no está de más, ante la expectación que los ingleses suelen levantar, echarle un vistazo a lo que podemos encontrarnos, todo ello a tenor de lo que se está viendo en la Gira 2012 que acaban de comenzar en Estados Unidos tras la publicación de The King of Limbs (2011).

Radiohead no ha sido nunca una banda de concesiones al gran público. Dejaron de tocar Creep, su gran hit inicial muy al principio, cuando vieron que el tema se comía a la banda en sí. Algo que muy pocos se permitirían con un éxito de ese nivel en su haber. Desde entonces, la excentricidad sonora de aquella virtuosa banda indie ha ido in crescendo poco a poco y cada vez más, hasta llegar, en ocasiones, a límites en los cuales es difícil separar la genialidad del tedio.

Conste que es un grupo que me fascina desde su inicio, y que pese a que de todos sus trabajos de los últimos doce años únicamente soy capaz de escuchar del tirón In Rainbows (2007), en todos y cada uno de ellos, en mayor o menor medida, siempre encuentro un momento que me maravilla. Letras aparte, por supuesto, siempre jalonadas de inteligencia, crítica mordaz y patadas en las tripas y el corazón. No seré yo, por tanto, quien me enfurruñe si su selección de temas para los directos enfilan la dirección más opaca, ahora bien, quienes tengan en mente asistir al evento de Bilbao pensando en viejas glorias, que se lo vayan quitando de la cabeza.

Su último concierto, anoche en Austin, Texas, constó como sigue:

1. Bloom (2011) 2. Little by little (2011) 3. The Daily Mail (2011) 4. Morning Mr. Magpie (2011) 5. Myxomatosis (2003) 6. The Gloaming (2003) 7. Kid A (2000) 8. The National Anthem (2000) 9. Reckoner (2007) 10. Weird Fishes/Arpeggi (2007) 11. Nude (2007) 12. Identikit (2012) 13. Lotus Flower (2011) 14. There There (2003) 15. Feral (2011) 16. Idioteque (2000)

ENCORE 1: 17. Separator (2011) 18. These are my twisted words (2009) 19. Bodysnatchers (2007) 20. Everything in its right place (2000)

ENCORE 2: 21. Give up the ghost (2011) 22. You and whose army (2001) 23. Paranoid Android (1997)

Como vemos, el olvido de los años 90 es casi total, incluso sorprende la testimonial presencia de Amnesiac (2001). La variación con respecto al resto de la gira ha sido poca, con ocasionales entradas de algún tema más del redondo O.K. Computer (1997), o de In Rainbows (2007), casi siempre en sustitución de otro, y la puntual aparición de The Bends (1995) con Street Spirit (Fade Out).

En resumen, un setlist difícil de digerir por un público no avanzado, demasiado inclinado hacia el lado más conceptual, sonoramente hablando, de la banda. Habrá que ver la evolución de la gira, y el encaje del repertorio en un festival, pero cuidado, la solvencia de Radiohead en directo es un valor ineludible, su capacidad para poner patas arriba a la audiencia está atesorada, y quien suscribe ha visto a Thom Yorke hacer que treinta mil tipos bailen a la vez Idioteque, de modo que nadie se despiste en la barra del bar. Hay que verlos de cerca. Crítica, público, y la multitud de grupos de diverso pelaje que los citan como influencia, no pueden estar equivocados. Yo lo pienso disfrutar.